Teatro
Dólar, trabajo, y teatro para personas ni rotas ni descosidas
Las horas dedicadas al trabajo y sus dilemas existenciales: ¿vivir para trabajar o trabajar para vivir? Dos obras llevan a semejante pregunta: billetes verdes, plata dulce y otras confusiones argentinas en un caso y, en el otro, una fábrica como metáfora de estos tiempos. Por último, una obra donde tres mujeres desafían el paso del tiempo y buscan salvar la radio del pueblo al ritmo del bolero, al que resignifican con la valentía del sonido de esta época. Por María del Carmen Varela
La vergüenza de haber sido y el dólar de ya no ser (Testimonio dramático de un sobreviviente 1997-2001)
Cambio, cambio, dice Alberto Ajaka mientras sube las gradas de la sala teatral y entrega un dólar en miniatura en cada butaca. Así da inicio a este espectáculo de un solo actor, un relato en primera persona, un formato artístico que funciona como una afluencia de anécdotas de quien transitó su juventud en los ‘ 90. La economía y su dulzura transitoria, la crisis y su amargura ineludible. El dólar y su reinado, su marca indeleble sobre el mercado financiero argentino, el intruso que pareciera haber llegado alguna vez para quedarse e impregnar de verde el anhelo económico local. El contexto de la última década del milenio pasado es escenario de las aventuras, desventuras y confesiones de quien sumó su fuerza de trabajo a la empresa familiar para más tarde enamorarse de la actuación.
La obra tuvo dos funciones en diciembre de 2021 en la Casa del Bicentenario, en el marco de la exposición Memoria del caos. De la atomización a la organización popular, a veinte años de las jornadas del 19 y 20 de diciembre de 2001. Ajaka la creó especialmente para este evento y fue lo primero que hizo transcurrido el período más cerrado de la pandemia. Su padre, Alberto Tito Ajaka había fallecido un año antes y este fue y sigue siendo el único duelo que le tocó afrontar. Hablar de su padre en escena le resulta una actividad terapéutica y reparadora. “Yo venía coqueteando con la idea de hacer un monólogo , tengo varios terminados y nunca me decidía”. Esta fue entonces la oportunidad de concretar. “Voy a meterme con mi vida, lo personal está siempre en la actuación hay materiales que me tienen como intérprete donde puedo imprimir más, o menos, de lo personal, en este caso le sumaba lo biográfico”.
Ajaka supone la existencia de tres Ajakas: “Este que soy yo, el que está en ese presente escénico que no tiene tiempo ni lugar, que es una especie de fisura en el tiempo, un agujero negro, donde el tiempo se confunde, en ese borde del agujero negro que los físicos llaman horizonte de sucesos. Y el Ajaka al que se refiere el que está en escena. No puedo dar fe de que ninguno de ellos sea yo, les doy mi cuerpo pero el Ajaka que habla es exagerado, demasidado romántico para mi gusto, pero tengo que aceptarlo. De aquel Ajaka yo ya ni me acuerdo. Me decidí a hacerlo porque había algo de la biografía donde decanta algo del clima de época”. Ese clima donde los paradigmas trastocan sus esencias. “En los ‘ 90 aparece la idea de la precarización del trabajo —y de los sueños — por el cierre de las empresas industriales, lo cual trae como consecuencia la merma en la demanda de personal especializado y por tanto de los oficios. Aparece el boom de los servicios, la era de la comunicación, la venta, el telemarketing, un mercado laboral con menos para ofrecer, un laburo peor pago, con trabajadores descartables”.
Desde 1997 hasta 2001. En ese paréntesis que aparece en la obra, Ajaka trabaja junto a su padre en la imprenta familiar, son asaltados varias veces, se pone de novio con Marcela, se compra un 0km rojo y reluciente que lo lleva de La Matanza a Puerto Madero. En una sola noche entra y sale de una decena de locales, se embriaga del glamour de los ‘ 90, se deja seducir, se enciende, se alborota y se estrella. En ese relato se percibe un Ajaka genuino. Aparece el niño, el joven, el que creció hasta las cinco décadas, el que hizo lo que quiso, el que descubrió una canción a bordo de su auto rojo y con entrega y generosidad la canta para nosotrxs. El escenario está despojado, solo un micrófono para cantar ese hit que nos hace seguir el ritmo con el pie y una botella plástica con agua para rociar su verborragia. “En el espectaculo agrego, saco, tengo alguna interacción con el público. A veces me paso de rosca, no tengo que poner todo en el asador poque me paso del tiempo”.
También en el 2001, Ajaka conoció el placer de actuar y no lo soltó más. Además de esta obra, en este momento está también en Made in Lanús, de miércoles a domingos. Los viernes sale corriendo del Multitabarís para ir a Nün. “Llego justito para hacer esta función. No estoy contento nunca, yo estoy contento mientras actúo. No me pone contento la idea de actuar, voy con cierta pesadumbre porque sé que voy a tener que hacer el sacrificio, pero después encuentro el goce en la entrega, en la crucificción, en la inmolación, porque es la que me tocó, es el modo que yo encontré para afirmarme en mi individualidad y para hacer el bien, al mismo tiempo”. Ajaka, como todxs nosotrxs, es un sobreviviente. A la economía, al dolor, al amor, el que se enfrentó con el diablo y estuvo con dios en el baño de un boliche de moda de la Costanera, sacude sus miedos, abre su corazón y, afortunadamente, ahí estamos para verlo.
Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velazco 419, CABA
Viernes 22.30 hs
A la fábrica
Me matan si no trabajo, y si trabajo me matan. Con esta frase arranca la obra A la fábrica. Frase que se repetirá en varias ocasiones, como un mantra, una contradicción, una condena. Esa misma frase da título al documental rodado en 1974 por el cineasta Raymundo Gleyzer — desaparecido en 1976 por la dictadura civico-militar—en torno al conflicto obrero en la fábrica metalúrgica Insud de La Matanza, donde los trabajadores padecían de una enfermedad denominada saturnismo que consiste en tener plomo en la sangre lo cual deriva en dolor insoportable de cabeza, impotencia sexual, dolor de huesos y mareos entre otros trastornos. El saturnismo mataba lenta y dolorosamente a los trabajadores y también contaminaba a sus familias. Ante esta situación de extrema vulnerabilidad y el adeudamiento del salario, iniciaron una huelga.
Esta frase remite a un poema del poeta cubano Nicolás Guillén y sirvió de inspiración para la creación colectiva de una obra teatral surgida entre lxs estudiantes del último año de la Universidad Nacional de las Artes, en el Departamento de Artes Dramáticas. “El eje principal —cuenta Sergio Sabater, director, dramaturgo, docente y actual Decano de la UNA en Artes Dramáticas— fue trazar una reflexión escénica sobre el trabajo como una dimensión de la condición humana, por un lado estaba la idea de la fábrica como metáfora, el trabajo industrial que surge con la modernidad y sigue hasta hoy, también estaba la hipótesis de interrogar a los actores y actrices que no conocieron el universo de la fábrica, respecto a cuál era su situación y su conflictiva con la dimensión laboral que les toca asumir”.
Hay 28 actrices y actores en escena, cada uno de ellxs viste indumentaria de trabajo que cumple con el objetivo de uniformarlxs, aunque los overoles, delantales y guardapolvos de distintos colores otorgan individualidad y protagonismo a cada unx de lxs intérpretes. Con un texto profundo y testimonial, darán cuenta con sus palabras y sus cuerpos de la magnitud de la actividad laboral en sus vidas. Y en las nuestras, claro. Una estructura de tres turnos, el trabajo como sostén, como forma de ganarse el sustento y muchas veces como una obligación de acatamiento y sometimiento ineludible.
Aparecen en una pantalla imágenes del documental de Gleyzer y también de La salida de los obreros de la fábrica, del director alemán Harun Farocki, que dialogan con lo que sucede en escena. La fábrica encarna el espacio tradicional del trabajo industrial y también invita a reflexionar sobre la realidad laboral que se replica en otros ámbitos laborales. Así van tomando forma las historias de quienes ponen el cuerpo en escena y escuchamos como cada unx dice su nombre y expone una situación laboral propia. Alguien cuenta que trabaja en telemarketing y que le piden hablar de pie, otro que su jefe lo hostiga porque un día se olvidó las llaves del local y llegó tarde, otra que trabaja en un shopping parada durante doce horas.
“Hay muchos aspectos de la obra que me interpelan dado que fue una obra que se gestó desde cero,con todes nosotres arriba del escenario. Habla sobre la labor del actuante y todo lo que hace o deja de hacer para poder trabajar de aquello que lejos de llenarnos el alma,nos perpetúa en este sistema,el trabajo convencional y mal remunerado. Matraviesa como actriz y ciudadana de esta sociedad”, dice Macarena Laura. Suma Daiana Gonzalez: “Me interesó particularmente poder transmitir en escena, cómo seguimos actualmente atravesados por la forma de producción del sistema capitalista, por esos ritmos caóticos de producción y que a pesar de encontrar un pequeño tiempo de libertad y placer por fuera, generalmente estamos condenados a ser un producto descartable para ese sistema. Me identifico como parte de un colectivo, de una clase social, de una sociedad, donde sí siento que la obra muestra nuestro propio modo de producción como trabajadores de la cultura y a su vez es en medio de ese sistema dominante, donde quedamos subvalorados”.
Los cuerpos en escena reflejan esa metodicidad exigida, ese circuito sin fin que debe ser respetado para lograr eficiencia.¿Vivir para trabajar o trabajar para vivir? se preguntan al unísono. También hacen rodar su humanidad, sus ganas, su voluntad y el deseo de lograr lo que “empieza allí donde termina el trabajo impuesto por la necesidad”: a lo que Marx llamaba “el reino de la libertad”.
Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556, CABA
Domingos 19.30 hs
Ni rotas ni descosidas
Un encuentro, tres historias. Ni rotas ni descosidas borda el sello de la amistad entre tres mujeres que han cumplido seis décadas, deciden apostar a los sueños y metas que son abundantes y alumbran cada uno de sus pasos. Las actrices Dana Basso, Cecile Caillon y Mariana Smibiansky encarnan a Dalila, Ro y Mara, quienes en su juventud formaban el Trío D´Amor, especializado en boleros.
Pasaron cuarenta años y la voluntad de salvar a la radio de su pueblo —Los Ángeles— hace que se reúnan las tres nuevamente. Una de ellas, Ro, se fue a sus veintipico a vivir al exterior, para no enfrentar los rumores y prejuicios del pueblo y cuatro décadas más tarde regresa entusiasmada por ver a sus amigas de la infancia y cantar juntas en una maratón musical. La obra transcurre en el camarín donde las tres se abrazan, ríen, recuerdan y dimensionan su amistad de casi toda la vida. ¿Qué las unió en el pasado? ¿Qué las une ahora?
La actriz Dana Basso escribió esta obra que nació “desde el pensarnos mujeres de más de 60, con historia personal de años vividos, de compartir pasiones y desde la noción de amistad en esta época de la vida. Se ha escrito mucho sobre la amistad. Desde Sócrates a Shakespeare, Camus, Borges, o Foucault; cada uno ha interpretado la amistad y ha expresado de alguna forma su parecer con respecto a ella. Es que es amiga aquella persona que te ‘apuñala de frente’ como decía Oscar Wilde o ‘aquella que camina a tu lado’ como escribía Albert Camus. ¿O ambas?”
En el Taller de Dramaturgia que dictaba el director, guionista y dramaturgo Javier Daulte, Dana manifestó su deseo de escribir una comedia musical. “Y nos embarcamos en esta aventura. Terminó siendo un Drama Cómico Musical que cuenta la anécdota de las vidas de estas tres mujeres que se juntan para salvar la radio de su pueblo natal. Cada una con su vida a cuestas y cada una con sus sueños”. A medida que transcurre la obra, aparecen conflictos a los que habrá que mirar de frente, algunos se arrastran desde hace años y es necesario resignificarlos. “El amor, la amistad, las diferencias entre las personalidades de ellas tres. ¿Cómo se sigue aunque, a veces, la vida te apalee y el dolor sea grande?. ¿Perseguir las utopías? ¿Apoyarnos en lo que amamos? ¿En los que nos aman? Y, básicamente no quedarse esperando que algo pase, sino, hacerlo posible desde la acción”.
Dalila, Ro y Mara van tranformándose a medida que transcurre la obra, así como sus vestuarios también cambian paulatinamente hasta ser quienes desean ser, sus procesos personales se potencian y tejen una trama común. Con la dirección de la actriz, bailarina, coreógrafa, directora y docente Gabi Goldberg, las tres actrices se lucen con temas que remiten a los ´70 y ´80 y diferentes coreografías para resaltar la belleza de cada canción.
Moscú Teatro, Ramirez de Velazco 535, CABA
Viernes 20.30 hs
Teatro
El teatro y la aventura de contar
Jugar, crear, imaginar, divertirse. Los cuentos (y el teatro) como nexo. Como relatos para conectarnos y para entender, pensar y sentir tantas cosas de la vida. Eug Krla, Aldana Hilén y Macalú Entizne proponen una aventura teatral para explorar los distintos modos de contar historias sin que nadie nos diga cómo hacerlo. Un recorrido para reconocer nuestras formas de imaginar con otrxs, de la mano de un personaje que brilla, Luciérnaga, y un enigmático señor que quiere mandonearlo todo. La obra teatral para las infancias Cómo se cuentan los cuentos se presenta este sábado 10 de mayo a las 16 en MU Trinchera Boutique, Riobamba 143, CABA. Las entradas se consiguen por Alternativa Teatral.
Luciérnaga va en busca de historias. Esas historias se tranforman en cuentos. ¿Cuántos cuentos quedan por contar? Infinitos, por eso su labor no puede esperar. ¡A buscar historias! Con luz propia, Luciérnaga ilumina donde hay oscuridad y así va al encuentro de todo lo que el mundo ofrece a quienes saben mirar con ojos inquietos y curiosos. El camino tiene sus escollos pero la intrépida Luciérnaga no se detiene. Cuando aparece El Señor —personaje misterioso que parece ser una sombra— se produce un conflicto entre ambxs: él impone reglas y conceptos inamovibles para contar cuentos. Luciérnaga se rebela. ¿Por qué hay que contar los cuentos como quiere este Señor? ¿Por qué no dejarse llevar por la imaginación y contarlos como se nos ocurra?
Fotos: Ana Julia Firpo.
“La obra tiene esa capacidad de juego que es lo que nos interesa acercarle a las infancias”, asegura Eug Krla, dramaturga de Cómo se cuentan los cuentos. La idea surgió hace un año. Eug y la actriz Aldana Hilén fueron invitadas por el espacio La pausa teatral a realizar una obra de teatro para las infancias. El primer disparador fue el de una luciérnaga que ilumina las sombras. Aldana se dejó llevar por el personaje y ahí aparecieron las ideas fundacionales a las que Eug convirtió en texto. Para darle lugar al teatro de sombras, llamaron a le intérprete y narradore Macalú Entizne y les tres se sumergieron en esta aventura de contar un cuento. Eug: “Pensar el cuento en términos de libertad, que es algo que las infancias tienen mucho más cerca de lo que pensamos. Justamente son los adultos y las adultas quienes tenemos esa estructura más arcaica heredada en relación a la narrativa”.
¿Cómo desarmar la estructura? “El mundo es un lugar armado, cerrado, una jaula, como propone el Señor en la obra y las infancias son una llave para abrir la puerta de la jaula. Los cuentos que cuenta Luciérnaga son los cuentos que podría contar cualquiera de nuestros espectadores pequeñes, con esa potencia de la infancia”.
¿Qué se esconde detrás del Señor, ese personaje sombrío y mandón? La obra propone darle espacio a la imaginación, a la creatividad que habita en cada unx de nosotrxs. ¿Nos permitimos jugar cuando ya no somos niñxs? Eug: “Cada quien puede trabajar su mirada sobre la obra, las infancias disfrutarla plenamente y lxs adultxs también, para que se lleven un par de perlitas”.
Macalú: “También nos interesa reivindicar el espacio del teatro, donde podemos reunirnos con otrxs. Que venga la gente al teatro para ver qué les pasa. imaginate que en 45 minutos, que es lo que dura la obra, podés ver cientos de reels de Tik Tok, en cambio, estás viendo una historia en la que suceden un montón de cosas que no pasan por una pantalla”.
La idea de los seres que habitan en la penumbra y los que son luminarias dentro de la penumbra interpela a Eug desde hace tiempo. “Tiene que ver con la hostilidad de la realidad en la que vivimos. También podemos ser un farito de luz. El arte, la poesía, me han interpelado, me permiten encontrar una zona en medio de lo hostil, y tiene que ver con mi identidad travesti en el mundo”.
El universo del juego, de lo posible, de inventar lo que tengamos ganas de inventar. “Les intérpretes de la obra también tienen esa posibilidad de juego, de correrse del guion”. Aldana: “La pauta fue tener mucha libertad de poder hacer, de irme un poco de la dramaturgia y poder jugar con en eso. Como soy clown, me relaciono mucho con lo que pasa en el momento, con lo que me va despertando interés con lo que divierte a mí, entonces ahí me doy unos permisos, me voy y vuelvo”.
De eso se trata, de los permisos, de ir, volver, moverse, divertirse y salir de las jaulas.
Fotos: Ana Julia Firpo.
Teatro
Se viene el Aparishentazo: magia argentina e internacional recargada, y la presentación del libro sobre Fu Manchú
Sábado 16 desde el mediodía, y domingo 17. Ese será el tiempo para disfrutar el Aparishentazo, el Festival de Magia que en su 7º edición, contará con espectáculos, conferencias, un workshop online y la presentación de un libro increíble. Mu Trinchera Boutique (Riobamba 143) será sede una vez más de este espacio de intercambio y asombros para profesionales y para público en general. El Aparishentazo es un espectáculo organizado por La Zancada Teatro, el mago, actor y productor Nicolás Gentile y el mago, malabarista, acróbata y profesor de yoga Luciano Eitis De Nicotti, y contará con artistas nacionales e internacionales.
Este Festival anual acapara la atención de toda la comunidad vinculada a la magia y en esta oportunidad se presenta por segunda vez en Mu Trinchera Boutique, donde funcionó el Club de Magia del mago inglés David Bamberg, mundialmente conocido como Fu Manchú. En Riobamba 143, que fuera su refugio los últimos años de su vida hasta su fallecimiento en 1974, el año pasado se colocó una placa para homenajearlo y este domingo se presentará el libro Fu Manchú, Una vida para la Magia, editado por Martín Pacheco, historiador, coleccionista y director del Bazar de Magiade Hipólito Yrigoyen al 900, en el barrio porteño de Montserrat.
El sábado habrá acreditación y aprontes desde las 12, y a las 13.30 el evento abrirá con Mr. Mágico y Jorge Sandoval.
A las 14 habrá una doble conferencia sobre práctica y teoría en la magia a cargo de Alejandro Díaz, campeón latinoamericano de Magia de cerca, quien propone un enfoque elegante para aplicar a la magia de manera innovadora. La otra exposición, a cargo de Eitis, se centrará en “Viajar y actuar”, la magia ambulante o la posibilidad de llevar un espectáculo a distintas partes del mundo: valija y creatividad. A lo largo de su carrera de mago Eitis llevó su arte (y su valija) a más de 25 países. El espectáculo continuará con Ignacio López, mago, escritor, diseñador, artesano de elementos para los espectáculos y campeón latinoamericano de magia. Se referirá al “cono y bola”, un truco clásico popularizado en los años 50. Desde la 19 el payaso Tenaza (Ezequiel Aguilera) será el responsable del cierre de oro de esta primera jornada.
El domingo la acreditación será a las 11 y desde las 11.30 habrá un workshop online de tres horas guiado por el español Rubí Férez. Desde España, el mago contará sobre su visión, técnica y trabajo creativo.
Por la tarde, desde las 15.30, habrá “Gala de Magia de cerca”, conducida por Hernán Maccagno. Tendrá como protagonistas además a Maga Alba, primera maga latinoamericana en brillar en los míticos escenarios del Magic Castle de Holywood y a Braian Schefer, joven revelación de la magia con monedas. A las 18, el libro autobiográfico Fu Manchú, Una vida para la magia será presentado por Martín Pacheco y Walter Valle. Para el cierre, el Aparijam de Magia, conducido por Nico Gentile y Marcelo Goobar, contará con las presencias estelares de Henry Evans, Nico Petruzzi, Gabriela Rojo y Melina Silla.
La vida mágica
David Bamberg recorrió el mundo como Fu Manchú, se enamoró de Buenos Aires y decidió quedarse en la ciudad haciendo aparecer de la nada su idea reunir a los magos en un club que a la vez resultase un teatro, lugar de aprendizaje y bazar. Falleció el 19 de agosto de 1974, hace poco más de 50 años.
David nació en 1904 en la ciudad de Derby, Inglaterra y perteneció a una dinastía de siete generaciones de magos. Legado en su estado puro al que le hizo honor a lo largo de su vida. Hijo del mago Okito, a los 5 años hizo su primer presentación en la Sociedad de Magos de los Estados Unidos, con un truco de cartas para el cual contó con la colaboración del presidente de la entidad, en gran Harry Houdini. Su infancia y adolescencia ya lo tuvieron yendo y viniendo entre Estados Unidos e Inglaterra, y en 1928 llegó a la Argentina por primera vez con sus espectáculos.
Luego de trabajar en cabarets y clubes, logró al año siguiente de su llegada, realizar su show en el viejo Teatro San Martín y su fama de mago notable se propagó. Con finos y costosos atuendos chinos, incorporó un elemento que no estaba presente en los habituales espectáculos de magia: la palabra. Y el show, de un modo que nunca se había visto. Recorrió América, las Indias Occidentales, Marruecos, Portugal y España, tuvo grandes éxitos también en los Estados Unidos y filmó 6 películas en México.
En 1968 había decidido retirarse de los escenarios y su sabiduría profesional se instaló en Riobamba 143. Allí funcionó el Centro Mágico Fu Manchú y la Escuela de Magia, semillero de magos –como René Lavand, entre tantos otros– y espacio para compartir todo tipo de conocimientos y experiencias.
La reconocida actriz Luisa Vehil daba clases de actuación para que los magos aprendieran técnicas teatrales que pudieran enriquecer sus shows. En sus últimos años, Fu Manchú escribió su autobiografía, Illusion Show. El libro fue publicado pero cortaron partes y su autor no quedó para nada conforme. Luego de su muerte, se publicó entero, en inglés, sin la parte en la que contaba en detalle los trucos. El historiador Martín Pacheco se propuso un objetivo: editar el libro en castellano y finalmente, lo consiguió: Fu Manchú, Una vida para la Magia, ya está listo y será presentado este domingo en el lugar donde el gran mago sembró lo suyo durante los últimos años de su vida. “El libro cuenta la vida de un artista popular –afirma Pacheco– que llenó teatros en toda Latinoamérica y en España. Atraviesa la historia argentina y la de nuestro continente, los momentos políticos y económicos. Es un libro de historia, la historia de un artista”. Es una edición aumentada, por lo que aparecen testimonios de magos que lo conocieron y hasta ofrece su apreciación una celebridad del cine y el espectáculo como Orson Welles.
“Fu Manchú, ¿era peronista?” pregunta Martín Pacheco en un video. “La verdad es que no lo sabemos pero sí conocemos que tuvo un problema con Evita”. ¿Qué pasó? En la década del ´30, Fu Manchú buscaba bailarinas para su espectáculo. Una de las mujeres que participó del casting fue Eva Duarte. “No fue seleccionada y terminó siendo Evita”. Unos años después, el mago fue contratado para dar su show en Olivos, ya con Juan Domingo Perón como presidente. “Comienza el show y la primera dama, sentada en primera fila, con un pequeño detalle: estuvo dada vuelta todo el show conversando con Mercante, pero por suerte su marido disfrutó de todo el espectáculo”. Esta historia está contada en el libro por el propio Bamberg, junto a muchas otras que se compartirán desde las 19 en la presentación del libro, en lo que será, con todos los honores, un domingo para la magia.
Teatro
Teatro, comunidad y vida: se viene el Zancadazo
¿Usted está aquí? pregunta en su 7° edición el Festival de Teatro de la compañía La Zancada. Si la respuesta es positiva, entonces estaremos dispuestxs a disfrutar entre el 12 y el 15 de septiembre de esta fiesta que el grupo teatral La Zancada organiza por tercer año consecutivo en la Asocicación Cultural Arte y Vida, espacio que lleva más de 65 años ubicado en el corazón de Martín Coronado, partido de Tres de Febrero. Aquí, el programa completo: con entrada a la gorra y de la mano de la autogestión, se presentarán en el Festival nueve obras teatrales que ponen el acento en el trabajo colectivo y en las posibilidades de la creación para compartir la vida. Por María del Carmen Varela
A partir de este jueves y hasta el próximo domingo se llevará a cabo “El Zancadazo ¿Usted está aquí? Festival Nacional de Teatro”, evento anual que desde hace siete años se propone generar una fiesta comunitaria para fortalecer los lazos entre artistas, estudiantes, docentes y vecinxs. Participaron de la convocatoria obras de todo el país y nueve de ellas quedaron seleccionadas: espectáculos de Entre Ríos, La Rioja, Santa Fe, Buenos Aires y CABA son los que veremos en escena. También un taller de gestión cultural facilitado por gestores del Instituto Nacional del Teatro y la Universidad de Tres de Febrero.
En el día de la inauguración, el jueves 12 a las 21.30 hs, habrá función de Teoría de la Sirena, biodrama musical de la actriz y cantante Sofía Diéguez, gestado en el marco del Laboratorio de Experimentación en Comunicación y Artes Escénicas que funciona en el espacio MU Trinchera Boutique de Cooperativa lavaca. En el unipersonal, que contó con la colaboración de Elisa Carricajo, actriz, directora, dramaturga, docente e integrante del colectivo Piel de Lava, Sofía canta sus propias canciones, cuenta fragmentos de su vida y explica por qué la alegoría de la sirena le es tan cercana y simboliza su transición.
El Zancadazo nació durante la pandemia, como un acto desesperado por parte de lxs integrantes de La Zancada, con la intención de encontrarse al menos de manera virtual con colegas y espectadorxs. Las primeras ediciones fueron online, una local, una nacional y dos internacionales. Ante la incertidumbre del financiamiento local e internacional, este año apostaron al financiamiento colectivo: le propusieron a colegas, vecinxs, amigxs, estudiantxs, comerciantes de la zona sumarse como productorxs del Festival.
“Las expectativas siempre están ligadas al encuentro comunitario” coinciden Carolina Ayub, Aldana Pellicani, Nabila Hosain y Alejandra Escalada, integrantes de La Zancada. En los días previos al Festival tienen la costumbre de ir a charlar con lxs vecinxs, las organizaciones barriales y las escuelas para contarles sobre El Zancadazo. “Buscamos crear en un año tan complejo un espacio, una invitación a situarse, una pregunta sobre dónde está cada unx, una invitación a que estén con nosotres durante 4 días, tomar el festival como fuente de energía, alegría y amorosidad. Podríamos haber desistido por la falta de recursos económicos, pero decidimos hacerlo porque nos importa el encuentro, nos retroalimenta, lo necesitamos”. Se suman a la organización del Zancadazo en esta oportunidad: Elena Canadell, Adela Iñigo, Santiago Zarub, Micaela Caboviando y Nicolás Torday.
Como grupo, La Zancada presenta la obra Alucinada, de cómo una maestra se volvió escuela, (en la foto principal) unipersonal escrito e interpretado por Carolina Ayub que refiere a la maestra Lucina Álvarez, secuestrada en 1976. Lucina no llegó a dar su clase de literatura en la escuela para adultxs de Córdoba y Riobamba, en Buenos Aires, sus alumnos salieron a buscarla y desde entonces sigue siendo una desaparecida. Era escritora, poeta, periodista, docente y militante del Partido Revolucionario de los Trabajadores (PRT). “En un momento donde los discursos de odio crecen, haremos crecer con este material la memoria colectiva”. La escuela de La Zancada presentará dos materiales de creación colectiva: Paulita y Está muerto.
Para la selección de obras, priorizaron la diversidad tanto en estéticas como en temáticas y espectáculos producidos por mujeres y disidencias. “Una vez que vimos todos los espectáculos, analizamos las propuestas y armamos varias programaciones posibles en donde buscábamos hacer convivir de la mejor manera los espectáculos”. Habrá también un taller de gestión para proyectos teatrales dictado por gestores de la Universidad de Tres de febrero y del Instituto Nacional del Teatro. “Nos proponemos colaborar con la profesionalización de las compañías que están en crecimiento y la socialización para colegas que quieran tener mas herramientas a disposición a la hora de gestionar sus obras. Queremos que el festival sea una fiesta comunitaria y que desde el placer de encontrarnos a ver teatro surjan nuevas formas de pensarnos”.
La obra Pueblito, una de las que se presentará en El Zancadazo.
La Zancada está compuesta por un grupo de profesionales de las artes escénicas que vienen trabajando juntxs desde hace seis años, tanto en Provincia de Buenos Aires como en CABA y está formada por tres áreas: Escena a cargo de las producciones teatrales, Escuela con una amplia oferta de cursos destinados a la formación actoral y Editorial con el fin de investigar, impulsar y documentar el pensamiento crítico del oficio. El espacio donde se desarrolla el Festival es Arte y Vida, allí La Zancada desarrolla una escuela de teatro para todas las edades. “Es el territorio con el que dialogamos todo el año, durante los días del Festival nos encontramos con vecinxs, comerciantes, estudiantes de escuelas cercanas y sus familias. Es en comunidad como nos interesa dialogar. Lxs vecinxs llegan a las funciones en grupo, en bici, en autos, se encuentran y toman algo en el bar que tenemos en el espacio. Es de vital importancia para nuestra compañía instalarnos fuera de los centros hegemónicos con un festival de teatro de calidad y con la mayor diversidad posible”.
Imagen de la obra El corazón del actor.
Programación completa
Jueves 12 de septiembre
19 hs: Apertura del Festival
20 hs: Paulita
Una Paulita. Entre rosarios, castas sin abrir y dólares robados. Una Paulita, agotada. Entre promesas rotas, murmullos de pasillo y relojes que se detienen. Una Paulita, acorralada. Entre ancianos, una nieta y un cardenal. ¿Los últimos suspiros? ¿Los únicos? ¿Quién queda para contarlo?
Intérpretes: Adrián Burasi, Julieta Mazzolla Gil, Martina Paratcha, Micaela Garcia Vildoza, Patricia Longhi, Patricio Vega y Rocio Leivas. Dirección: Carolina Ayub.
Producción: La Zancada Teatro.
21:30 hs: Teoría de la Sirena
Una bio musical. Sofía está buscando cómo contar su historia. la del pasaje del amplio mar a la tierra firme, o viceversa. Se pierde en recuerdos y canciones, y en retazos de una aventura pop, de una comedia romántica, de una coming-of-age movie. Sofia cuenta cómo se trajo a la luz. Teoría de una sirena es un work in progress que irá buscando su devenir mientras se comparte con el público.
Intérprete: Sofia Dieguez.
Producción: Laboratorio de Experimentación en Comunicación y Artes Escénicas
Viernes 13 de septiembre
20 hs: Ir, sobre tierra
Atilio, el cartero, recorre los últimos buzones oxidados del barrio entregando unas cartas. Luego de mucho pedaleo, agotamiento y noticias llega una inesperada carta, un tanto misteriosa que lo tomará por sorpresa y lo llevará de paseo por diferentes sensaciones. Tomará decisiones erróneas, se confundirá. Mientras tanto, las ruedas de su bicicleta Manuscrita seguirán girando, como su mundo, como las cartas por los aires. ¿Qué decía esa carta? ¿Descubrirá que siendo otrxs, siente? De los Hermanos Guerra.
21.30 hs: Neurosis Endémica
La obra nace del sentir que la muerte, la política y la creencia en algo superior (religión), son temas que no escapan a ninguna persona, solo alcanza con ser un humano, para que en algún momento, antes o después, estos temas te hayan atravesado. En lo personal, me jodieron bastante y fue lindo el darme cuenta que no era el único, para después concluir que nos iguala a todos.
Grupo teatral Un Café, teatro independiente de La Rioja Argentina.
Sábado 14 de septiembre
19 hs: Pueblito
Una adolescente a punto de vivir una de las experiencias más trascendentales de su vida no puede transitarla como debería por estar envuelta en una crisis de ansiedad. ¿Cuánto influye en nuestra vida lo que los demás esperan de nosotros? Soñar nuestro futuro a veces puede convertirse en la pesadilla que nos haga perder el presente.
Elenco: Bianca Lemos, Rocio Echavarria, Leandro Romero y Santiago Sikomas. Dirección Gisele Diez.
21 hs: Alucinada, de cómo una maestra se volvió escuela
En el aula de una escuela nocturna, una portera se hace presente para avisar que la maestra de literatura no llegará a dar clase. El público oficiará de estudiantado, María intentará enseñar, el pizarrón se revelará y en conjunto reconstruiremos la memoria de la maestra y poeta Lucina Álvarez, desaparecida en 1976 por el terrorismo de Estado.
Dramaturgia y actuación: Carolina Ayub.
Producción La Zancada Teatro
22.30 hs: La Cura, memorias invertidas – Unipersonal autobiográfico de danza-teatro
La obra tragicómica de danza teatro invita a recorrer una parte de la historia de un personaje proselitista de la heteronorma, que se descubre, reconoce y encuentra. Los mandatos, la religión, y las llamadas Terapias de conversión de género son puestas sobre el tapete para visibilizar que, en el siglo XXI, sigue siendo difícil adoptar las formas de ser y estar en el mundo que se nos vengan en ganas.
Creación y dramaturgia: Gastón Onetto.
Domingo 15 de septiembre
20 hs:Está muerto
Es una casa como la de cualquiera. ¡Peligro! Con una mesa y unas sillas como las de cualquiera ¡Peligro! En donde toma m ates y charla una matrimonio como cualquiera ¡Peligro! Intérpretes: Federico Ortiz , Nicolas Torday, Ramiro Pereyra, Joaquin Morales, Elena Canadel, Noah.
Salamanca Tola, Santiago Zarub, Mariela Romero. Producción La Zancada Teatro.
21.30 hs: El corazón del actor
El Corazón del Actor es un espectáculo teatral inspirado, tanto en su escritura literaria como escénica, en los géneros fantástico, de terror y policial. Textos que generan otros textos, que generan a su vez, otras lecturas, pensamientos, acciones; otros mundos. La lectura se convierte en actividad creadora. Basada en textos de Edgar Allan Poe y Marco Denevi. Una confesión de muerte y la lucha por la razón ante los ataques de las zonas más oscuras de la mente, desafiando el sentido de la realidad. Un recorrido por el laberinto de la locura. Una historia sobre el crimen, la culpa, y la percepción de la realidad, puestas en cuestión constante en la mente del protagonista. Ficción y realidad latiendo en un mismo corazón.
Producción: Teatro del Bardo de Entre Ríos.
Sábado 14 y domingo 15 de septiembre
15.30 a 17 hs: Tejiendo escenas: gestión cultural para proyectos teatrales
Taller dirigido a quienes tengan interés en la actividad teatral autogestiva. Se incentiva a diseñar un proyecto escénico desde cero, teniendo en cuenta herramientas de la gestión cultural para llevar adelante una puesta en escena.
Dictado por Guadalupe Zapata (INT), Mariano Jorge (UNTREF).
Sala Arte y Vida (Remedios de Escalada 6570 – Martín Coronado – Partido Tres de Febrero).
Ala gorra, reservas por Alternativa Teatral.
La Zancada: Aldana Pellicani, Alejandra Escalada, Nicolás Gentile, Julieta Costa, Carolina Ayub y Nabila Hosain.
