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Lo que hay para ver: el teatro que incomoda y muestra las heridas

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Esta semana te invitamos a conocer tres obras que investigan situaciones y emociones de raíces profundas. La madre de un femicida expone su relato de doble tragedia. Un grupo de jóvenes transita las consecuencias de la decisión que una amiga toma en una noche de cumpleaños. Y en un momento de absoluta incertidumbre, tres personas se enfrentan al rumbo que toman sus propias reacciones frente a lo desconocido.  El teatro que inquieta, que incomoda y que nos hace levantarnos de la butaca llenxs de reflexiones e interrogantes.

Rota

¿Qué sigue ahora? O mejor dicho, ¿cómo seguir? Difícil tarea la que tiene que emprender esta mujer a quien escucharemos contar su dolor. Gracias a su monólogo catártico sabremos que su desgarro está aferrado al abismo de la muerte y que su tragedia tiene dos caras. Su hijo se quitó la vida, antes mató a su novia. La hondura de su desdicha parece no caberle en el cuerpo, de la grieta de sus entrañas brota el desconsuelo y sale a borbotones por su boca. Ella está rota.

Esta obra imprescindible que explora la vivencia de la madre de un femicida —una voz que no suele aparecer en los medios— surgió del trabajo colectivo de la dramaturga Natalia Villamil, la actriz Raquel Ameri y el director Mariano Stolkiner. El resultado es sorprendente. La dramaturgia consigue acercarnos todos los elementos necesarios para discernir una experiencia de esa magnitud. La actuación altera la pasividad del espectador/a, nos expulsa de ese rol, nos re-mueve y nos con-mueve. Y la puesta en escena refuerza ese movimiento interno y potencia la solidez de la actriz y su testimonio.  Raquel tenía ganas de actuar en un unipersonal, contactó a Mariano y luego convocó a Natalia. Se reunieron en el teatro que dirige Mariano, El Extranjero, y después de barajar temáticas, se decidieron por la que da cuerpo a “Rota”. 

Natalia hizo un trabajo solitario de escritura en torno a distintas imágenes que le iban surgiendo e investigó sobre las posibilidades psíquicas, físicas y sociales del personaje: “Quería poner el acento en esta madre sola, que no nombra nunca al padre del hijo y la masculinidad está encarnada en los diálogos que ella establece con la policía, cuando intenta saber qué pasó, cómo fue que su hijo llegó a esto”. Cuando Natalia estaba sumergida en la dramaturgia de “Rota”, aparecía en los medios el asesinato de Fernando Báez Sosa por parte de los ocho rugbiers en Villa Gesell. “Pensaba en eso, pibes que tienen entre 20 y 25 años, de repente vuelven a sus casas convertidos en asesinos. Más allá de meterme en la multicausalidad que puede llegar a tener esto, que alguien de un momento a otro devenga  asesino. Me interesaba poner el foco en la destrucción que provoca en la familia del femicida”.  La obra fue declarada de interés para la Protección y Defensa de los Derechos Humanos por la Legislatura porteña, el texto fue ganador del Primer Premio de Autoras del Instituto Nacional del Teatro y ganadora del Premio a la Producción del CTBA + Banco Ciudad.

El texto de Natalia le dio mucha libertad de creación a Mariano, el director. “El eje fundamental fue encontrar cuál era la tesis particular que queríamos llevar a la escena, encontrar dónde estaba la matriz para desplegar el imaginario escénico y en ese sentido, la rotura parte de una dualidad muy fuerte que transita esta mujer: el femicidio y por otro lado la pérdida de ese hijo”. El desafío de “Rota” fue poder centrarse en el dolor de una madre por la pérdida. “Universalizar ese dolor, fue por ahí la búsqueda principal. Hay una parte en la que estamos todos de acuerdo y es el repudio a lo que hizo el hijo, ahí no hay contradicciones, pero donde aparecía una tensión mayor era justamente en darle valor al dolor que transitaba esta madre frente a esa pérdida”. 

Natalia y Mariano coinciden en considerar las posibilidades que ofrece el teatro. Natalia: “Nos da la posibilidad de imaginar una ficción que cuente una posible posición al respecto. No estamos para dar cuenta de nada, pero sí para visibilizar desde un lugar de ficción”. Mariano: “El teatro está para visibilizar temáticas complejas, sobre las cuales tenemos que hacer foco si queremos ser mejores seres sociales y al mismo tiempo para generar discusiones. No para complacer, en el sentido de desplegar en la escena aquello que el público quiere escuchar, sino que el teatro está para ponernos en tensión con nuestras propias creencias y en discusión con la obra a la cual se asiste.  Por eso elegir el rol de la madre de un femicida transitando el duelo por la muerte de su hijo propone una voz muy diferente, muy atípica y es lo que en definitiva termina generando la discusión y las preguntas con las cuales se puede ir cualquier espectadora  o espectador a su casa, que es para mí lo más interesante que puede proponer el teatro”.

Teatro El Extranjero

Valentín Gómez 3378, CABA

Sábados, 20 hs hasta el 4 de junio

@teatroelextanjero

@nat.villamil

@ameriraquel

@marianostolka

A partir de ahora

Un grupo de amigues festeja el cumpleaños de Angie en la casa de la cumpleañera. No puede faltar la música, suena un tema pegadizo, que todes conocen y los cuerpos se agitan al compás. Olivia, Sebastián, Angie, Erika y Martín viven una noche de diversión, baile, risas y besos. Nadie sospechó que ese día iba a quedar grabado para siempre en sus memorias, con el sabor amargo de un adiós no pronunciado. 

El proceso de creación de este musical —que fue nominado a los Premios Hugo como mejor musical del off, mejor libro argentino y revelación femenina en dirección— arrancó en 2018. Las actrices y dramaturgas Antonella Valese y Micaela Narodowski tenían la intención de escribir un musical rioplatense. Investigaron el género y distintas estéticas de escritura, pusieron en juego experiencias personales y sumaron la música del cantautor Facundo Galli. Con estas herramientas comenzaron a escribir el musical.

Al arrancar con el guión, pensaron en colegas y amigues y escribieron pensando en elles, en sus personalidades y aptitudes. “Cuando terminamos el primer boceto, se lo leímos personalmente y les invitamos a ser parte. Por suerte todes dijeron que sí”. Si bien los temas musicales fueron compuestos por Facundo Galli antes de esta idea teatral, parecen haber sido escritas especialmente para esta historia. Una vez que la obra estuvo terminada y aceitados los arreglos de las canciones, convocaron a la actriz Stella Maris Faggiano para dirigirla, le contaron la idea y qué les interesaba contar. “Queríamos hablar de los vínculos, del paso del tiempo, los cambios, las pérdidas y como cada une las transita. Stella trajo propuestas corporales y espaciales, que ayudaron a contar esta historia e hicieron que varios momentos se transformen y se expandan aún más”.

A partir de ahora es un musical que pone el foco en las pérdidas que dejan huellas imborrables en nuestras vidas. No será posible olvidar, tampoco queremos eso, pero sí es necesario sacudirse el polvo de la culpa, desencadenarse de la pena constante que inmoviliza y proponerse como consigna vital, como ayudamemoria motivador: así será “a partir de ahora”.

Beckett Teatro

Guardia Vieja 3556, CABA

Sábados, 23 hs, hasta el 28 de mayo

@teatrobeckett

@apartirdeahoralaobra

@antovalese

@micaelanaro

@pachilucas

@ritmocircunstancia

@agussalomonentuli_app

El almacén del fin del mundo

Una gran mesa que será sostén de delicadas delicias gastronómicas aparece en el centro de la escena. Dos copas aguardan que llegue el momento de mecidas en las manos de les distinguides comensales. Hay una pista de baile, un micrófono, una sala de espera y una cabina sanitizante ubicada apenas se ingresa al restaurante, que en realidad es llamado “Almacén del fin del mundo”. El lugar parece estar destinado al placer de los sentidos, pero a medida que pasa el tiempo, sabremos que no será tan sencillo predisponerse al relax y el disfrute. El aforo del lugar es de dos personas. Las restricciones, los protocolos y los cuidados son extremos y alguien se encarga de que todo se cumpla al pie de la letra.

Pese a que les espectadorxs ya pasamos por este tipo de medidas de sanidad, o precisamente por eso, las situaciones nos provocan risa por lo absurdas. Un hombre entra al lugar. Rocío de alcohol de pies a cabeza y lo que sigue no es menos incómodo. Luego llega ella y el mozo que vigila el cumplimiento de las pautas será un tanto más benévolo. Los mecanismos de control actúan con sospechosa eficiencia y serán resortes que activarán comportamientos inesperados. 

“El almacén del fin del mundo” fue escrita en plena cuarentena. El actor y director Martin Henderson encontró así la manera de seguir conectado con su profesión. Formuló una hipótesis como punto de partida: ¿Qué pasaría si dos personas que quieren encontrarse tienen que realizar una innumerable cantidad de protocolos? ¿Qué pasaría si esas personas tienen que cumplir un objetivo pero los protocolos son tantos que nunca lo logran? “Fueron algunas de las preguntas que motorizaron la escritura. Aunque debo confesar que lavar las frutas y verduras con agua y una pequeña porción de lavandina, dejarlas reposar unos minutos, para luego enjuagarlas solo con agua y posteriormente esperar a que se sequen sobre una vieja toalla fue bastante inspirador”.

Martín utilizó los elementos que iban apareciendo en cuanto a transitar la pandemia, los usó a favor de la ficción y los exacerbó para generar situaciones de comedia. “Pero sobre todo para transformar en un hecho artístico la angustia que me provocaba lo que estábamos viviendo”. La actriz Dolores Ocampo y el actor Leonardo Saggese le ponen el cuerpo a quienes se dan cita en el “almacén”. Martín es el mozo que les  atiende de manera tan meticulosa. “La mujer es la única que realmente está conectada con lo que pasa alrededor, que no solo tiene la mirada puesta en ella. Al punto de que conmovida por la situación, se involucra, toma partido y acciona. El hombre se resiste al cambio y sigue queriendo lo mismo desde el minuto cero. El camarero deja asomar actitudes viles y miserables”. La obra recorre las distintas instancias que recorren los tres personajes, sus reacciones, resistencias y motivaciones. Indaga el abanico de consecuencias que surgen cuando está llena de obstáculos la posibilidad del encuentro.

Una vez aprendido el texto, Leo Saggese lo trabajó con varios matices para poder jugar con distintas capas de emociones. “El género que plantea la dramaturgia me resultó un desafío,sobre todo al descubrir que avanzada la trama se empezaban a filtrar otros subgéneros. Como actor era un gran desafío poder contar algo tan cercano a nuestro aquí y ahora y que no sea ni invasivo, ni burlón. Por el contrario, poder utilizar este cuento para transformar lo que nos pasó y seguir adelante”. Dolores Ocampo se define más impulsiva que analítica a la hora de encarar un personaje y destaca algunos aspectos del que encarna en esta obra porque “tiene esa valentía que a muchos nos gustaría tener en la mayoría de los momentos de vida. Amo su libertad y su predisposición a los cambios. La obra me divierte y a la vez cuando va avanzando se vuelve cruda pero sin perder la comedia”.

Teatro El Extranjero

Valentín Gómez 3378, CABA

Viernes, 22 hs hasta el 29 de abril y Viernes, 20 hs del 6 al 27 de mayo

@teatroelextranjero

@elalmacendelfindelmundo

@leosaggese

@leandromartinhenderson

@doloresocamposegui

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La Estela: tierra guaraní en escena

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Las actrices Casandra Velázquez e Ivana Zacharski crearon un unipersonal sobre una niña litoraleña que descubre aventuras al amparo del monte misionero. El calor agobiante, la siesta obligatoria, los árboles de yerba mate y las leyendas de ese territorio se cruzan con la inspiración de Clarice Lispector como punto de partida.

Por María del Carmen Varela

A la hora de la siesta el pueblo entra en una pausa obligatoria barnizada por un calor agobiante. Ni el sueño ni el sofoco detienen a la niña, que abandona su cama con sigilo y logra escapar al amparo del monte. Encuentra en la intemperie el abrigo que no es costumbre en su casa. Cada día la espera una aventura distinta, aunque no siempre hay juego y risas. Rebelde, divertida, decidida, busca compañía para sus andanzas y si no la encuentra, transita en soledad.  La salvación a cielo abierto, la naturaleza como sostén y una fascinación: “La Estela”.

La actriz y bailarina Casandra Velázquez y la actriz y directora de teatro Ivana Zacharski dieron luz a esta niña litoraleña sumergida en la vastedad de un paisaje indómito y deslumbrada por Estela, la joven esquiva con mirada de pantera. Ivana y Casandra se conocieron a sus 18 años tomando clases de actuación con Pompeyo Audivert en el Teatro Estudio El Cuervo, poco tiempo después de que cada una viniera a estudiar teatro a la Capital. Casandra nació en Rosario y creció en Venado Tuerto (Santa Fe), Ivana es de Apóstoles, Misiones, donde se desarrolla esta historia que juntas llevaron a escena. Este universo, recorrido por Ivana, de tierras guaraníes surcadas por árboles de yerba mate y leyendas de peligros a la hora de la siesta, fue la inspiración para La Estela.

Ivana tenía ganas de dirigir un unipersonal y eligió a su amiga Casandra para actuarlo. El punto de partida fue un cuento de Clarice Lispector: La relación de la cosa. Casandra: “Los primeros encuentros fueron sin texto, nos acercamos a la obra desde el cuerpo, la respiración y la carne. En los primeros ensayos bailé un montón, unas danzas extrañas, medio butohkas, transpire, canté, corrí, toqué el bajo. Ivana empezó a escribir y yo a probar y actuar todos esos textos e hipótesis, el insomnio estaba presente, la obsesión con el tiempo, los fantasmas del futuro, algo vinculado a la materialidad del agua y el devenir del río. Aparecieron unos cuentos protagonizados por distintas niñas en paisajes litoraleños. Nuestro personaje de ese momento: una mujer en medio del insomnio, se contaba esos cuentos a ella misma para poder dormir”.

La Estela: tierra guaraní en escena

Foto: Gentileza La Estela.

Después de que Ivana hiciera un taller de escritura con Santiago Loza y Andrés Gallina, la historia fue tomando fuerza. Cuenta Casandra que algo se abrió y comenzó a aparecer la trama: “La obra apareció y nos empezó a hablar. Nos metimos adentro de esos cuentos, de esos paisajes y de esas niñas y dejamos de lado todo lo demás. Apareció algo muy mágico entre nosotras, algo de eso que las obras permiten, que es crear un universo común, descubrir conexiones y relaciones nuevas. Sentía que la obra estaba apareciendo y tenía voz propia, apareció el cuerpo de la obra y una forma de narrar”. Casandra recorre el escenario y su fuerza expresiva invita a adentrarse en la historia de esta niña llena de vitalidad y asombro. La vemos en su habitación, presa del calor de la tarde, en busca de libertad y juego, invocando protección divina cuando algo se le escapa de las manos, trabajando en el puesto rutero, pateando una pelota, como se patea a la injusticia, hipnotizada al descubrir la mirada felina de “la Estela”.

El entusiasmo de la juventud, las tragedias inesperadas, las súplicas, el goce de la novedad caben en ese cuerpo palpitante de sueños. Ivana y Casandra apelaron a sus propias vivencias para hilar la narración. Casandra: “Las dos pasamos nuestras infancias y adolescencias medio punkis en distintos paisajes litoraleños, lejos de esta ciudad, sus ritmos y velocidades. Había algo de ese universo común, de elegir siendo muy chicas irnos de las ciudades donde crecimos, que empezó a operar, casi telepáticamente. El ejercicio de revisitar esos paisajes y poblarlos de ficción fue fascinante, mirar el mundo con ojos de infancia nos abrió mucho permiso y nos devolvió mucha vitalidad, nos permitió vincularnos con la violencia, el dolor y la crudeza de crecer desde un lugar de mucho delirio y mucho juego. La obra es bastante impune en ese sentido, el relato no pide permiso, ni da explicaciones, sólo sucede. Justicia poética, decimos, un conjuro de liberación”.

Al cabo de dias de ensayo, la voz de la niña litoraleña comenzó a asomar y Casandra hizo un trabajo específico con la coach vocal Mariana García Guerreiro. El actor Iván Moschner también se sumó a pulir el fluir de la voz. Escuchar radios misioneras, discos y entrevistas a Ramón Ayala y otrxs artistas misionerxs colaboró con esa tarea. La niña que sube el escalón hacia la adolescencia, la que se enfrenta al monte y sus amenazas, se abre paso en la oscuridad con la lumbre de su irreverencia. Salvar y ser salvada, desafiar la imposición de la siesta, para correr a soñar despierta.

La Estela

El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, CABA

Sábados a las 18  hs, hasta el 27 de septiembre

@laestela.obra

@casandravelazqz

@ivanazacharski

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Litio: nace un nuevo documental

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Este viernes 29 de agosto se presentará un nuevo contenido de Cooperativa de trabajo lavaca: Litio. Un documental dirigido junto a Patricio Escobar que refleja la lucha de las comunidades originarias y el paralelismo entre la reforma (in)constitucional de Jujuy, como experimento hacia la Ley Bases votada a nivel nacional.

“Te cuento esta historia, si me prometés hacer algo. ¿Dale?”.

Así arranca el documental Litio, una historia de saqueo y resistencias, que continúa…

Un documental independiente y autogestivo de cooperativa lavaca y dirigido en conjunto con Patricio Escobar, que traza un hilo conductor entre la reforma (in)constitucional de Jujuy votada a espaldas del pueblo en 2023, y lo que pasó un año después a nivel nacional con la aprobación de la Ley Bases y la instauración del RIGI (Régimen de Incentivo para Grandes Inversiones).

Este proyecto tiene algunas particularidades: por un lado, no se trata de una única pieza audiovisual, sino de varias. Una más larga, de 22 minutos; y otras más cortas, de menos de 6 minutos. Por otro lado, se propone un documental en construcción permanente, al que se le irán agregando nuevas piezas de una cadena extractivista que parece no tener fin. Para esto, creamos una página web (que también estrenaremos el viernes 29) en la que iremos agregando los nuevos eslabones que surjan a futuro relacionados al oro blanco. 

LITIO muestra cómo viven las comunidades de la puna jujeña en la cuenca de las Salinas Grandes y Laguna Guayatayoc, una de las siete maravillas naturales de Argentina, y a la par, zona de sequía y uno de los mayores reservorios de litio del mundo. Dato insoslayable: para obtener un kilo de carbonato de litio se utilizan hasta dos millones de litros de agua. Las imágenes se entrelazan con los ostentosos congresos mineros, la represión policial a las manifestaciones por la reforma (in)constitucional y la resistencia de un pueblo que no otorga la licencia social a la explotación minera.

“¿Cuánto cuesta, cuánto vale… nuestra Pacha?”, cantan las comunidades originarias. Esa bandera hecha canción – y esa pregunta- se construye a través de distintas entrevistas a las comunidades Santuario de Tres Pozos, Lipán, El Moreno, Tres Morros, Potrero de la Puna, así como a otros actores. También evidencia el silencio de las autoridades, que no quisieron hacer declaraciones públicas. “Todas las Salinas están cuadriculadas de pedimentos mineros. Allí viven las comunidades y debajo, en el subsuelo, están las minas”, cuenta Alicia Chalabe, abogada de las comunidades.

El documental plantea una premisa: la reforma (in)constitucional de Jujuy en 2023 impuesta por el entonces gobernador Gerardo Morales –a merced de la explotación del litio, ya que modificó el régimen de agua, de tierras fiscales y de la propiedad privada, y ratificó la propiedad exclusiva de la provincia sobre los recursos naturales, entre los que incluye el subsuelo y el mineral de litio– fue el experimento que sirvió de antesala a la Ley Bases aprobada en 2024. Esta profundizó no sólo la matriz extractivista mediante enormes beneficios fiscales a empresas mineras, petroleras y del agronegocio, sino también las relaciones carnales con Estados Unidos y particularmente con Elon Musk, dueño de la empresa Tesla que construye autos eléctricos, para lo cual el litio es fundamental.

LITIO termina con tres palabras, y se erige como punto de partida:

“Esta historia continuará

¿Dale?”.

Te invitamos a seguir construyendo esta historia, este viernes 29 de agosto a las 20, en MU Trinchera (Riobamba 143, CABA).

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Super Mamá: ¿Quién cuida a las que cuidan?

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¿Cómo ser una Super Mamá? La protagonista de esta historia es una flamante madre, una actriz a la que en algún momento le gustaría retomar su carrera y para ello necesita cómplices que le permitan disfrutar los diferentes roles que, como una mamushka, habitan su deseo. ¿Le será posible poner en marcha una vida más allá de la maternidad? ¿Qué necesitan las madres? ¿Qué necesita ella?

Por María del Carmen Varela

Como meterse al mar de noche es una obra teatral —con dirección y dramaturgia de Sol Bonelli— vital, testimonial, genuina. Un recital performático de la mano de la actriz Victoria Cestau y música en vivo a cargo de Florencia Albarracín. La expresividad gestual de Victoria y la ductilidad musical de Florencia las consolidan en un dúo que funciona y se complementa muy bien en escena. Con frescura, ternura, desesperación y humor, abordan los diferentes estadíos que conforman el antes y después de dar a luz y las responsabilidades en cuanto al universo de los cuidados. ¿Quién cuida a las que cuidan?

La escritura de la obra comenzó en 2021 saliendo de la pandemia y para fines de 2022 estaba lista. Sol incluyó en la última escena cuestiones inspiradas en el proyecto de ley de Cuidados que había sido presentada en el Congreso en mayo de 2022. “Recuerdo pensar, ingenua yo, que la obra marcaría algo que en un futuro cercano estaría en camino de saldarse”. Una vez terminado el texto, comenzaron a hacer lecturas con Victoria y a inicios de 2023 se sumó Florencia en la residencia del Cultural San Martín y ahí fueron armando la puesta en escena. Suspendieron ensayos por atender otras obligaciones y retomaron en 2024 en la residencia de El Sábato Espacio Cultural.

Se escuchan carcajadas durante gran parte de la obra. Los momentos descriptos en escena provocan la identificación del público y no importa si pariste o no, igual resuenan. Victoria hace preguntas y obtiene respuestas. Apunta Sol: “En las funciones, con el público pasan varias cosas: risas es lo que más escucho, pero también un silencio de atención sobre todo al principio. Y luego se sueltan y hay confesiones. ¿Qué quieren quienes cuidan? ¡Tiempo solas, apoyo, guita, comprensión, corresponsabilidad, escucha, mimos, silencio, leyes que apoyen la crianza compartida y también goce! ¡Coger! Gritaron la otra vez”.

¿Existe la Super Mamá? ¿Cómo es o, mejor dicho, cómo debería ser? El sentimiento de culpa se infiltra y gana terreno. “Quise tomar ese ejemplo de la culpa. Explicitar que la Super Mamá no existe, es explotación pura y dura. No idealicé nada. Por más que sea momento lindo, hay soledad y desconcierto incluso rodeada de médicos a la hora de parir. Hay mucho maltrato, violencia obstétrica de muchas formas, a veces la desidia”.

Durante 2018 y 2019 Sol dio talleres de escritura y puerperio y una de las consignas era hacer un Manifiesto maternal. “De esa consigna nació la idea y también de leer el proyecto de ley”. Su intención fue poner el foco en la soledad que atraviesan muchas mujeres. “Tal vez es desde la urbanidad mi mayor crítica. Se va desde lo particular para hablar de lo colectivo, pero con respecto a los compañeros, progenitores, padres, la situación es bastante parecida atravesando todas las clases sociales. Por varios motivos que tiene que ver con qué se espera de los varones padres, ellos se van a trabajar pero también van al fútbol, al hobby, con los amigos y no se responsabilizan de la misma manera”.

En una escena que desata las risas, Victoria se convierte en la Mami DT y desde el punto de vista del lenguaje futbolero, tan bien conocido por los papis, explica los tips a tener en cuenta cuando un varón se enfrenta al cuidad de un bebé. “No se trata de señalarlos como los malos sino que muestro en la escena todo ese trabajo de explicar que hacer con un bebé que es un trabajo en sí mismo. La obra habla de lo personal para llegar a lo político y social”.

Sol es madre y al inicio de la obra podemos escuchar un audio que le envió uno de sus hijos en el que aclara que le presta su pelota para que forme parte de la puesta. ¿Cómo acercarse a la responsabilidad colectiva de criar niñeces? “Nunca estamos realmente solas, es cuestión de mirar al costado y ver que hay otras en la misma, darnos esa mirada y vernos nos saca de la soledad. El público nos da devoluciones hermosas. De reflexión y de cómo esta obra ayuda a no sentirse solas, a pensar y a cuidar a esas que nos cuidan y que tan naturalizado tenemos ese esfuerzo”.

NUN Teatro Bar. Juan Ramirez de Velazco 419, CABA

Miércoles 30 de julio, 21 hs

Próximas funciones: los viernes de octubre

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