Artes
Una trans, una inquilina y una madre para reflejar con humor y emoción el teatro de las vidas
Un biodrama musical que recurre a la alegoría de La Sirenita para representar a las mujeres trans. Tres historias de misterio en barrios porteños contadas por una inquilina al borde de un ataque de nervios. Una conmovedora forma de narrar la relación entre madres e hijas. En tiempos tantas veces oscuros, la luz que nos regala el teatro.
Por María del Carmen Varela
Teoría de la Sirena
“Recuerdos, anécdotas, momentos que marcaron mi vida”, así describe la actriz y cantante Sofía Dieguez al espectáculo Teoría de la Sirena, el unipersonal que vuelve a presentarse en MU Trinchera Boutique. Una biografía musicalizada podría ser otra forma de contar por dónde va el show, cuya idea surgió a partir de su presentación en el mismo teatro, a mediados de febrero, en el marco del Festival Amores. Allí Sofía cantó sus propios temas –La Sirena, Medusa, Sola, La Poderosa– grabados en su primer EP, hizo algunos covers y dio a conocer su nuevo material. Llevó algunos de sus objetos personales preferidos para compartir con el público: un cuaderno con sus ilustraciones –donde abundan las sirenas-, un portarretratos de su propia infancia sonriente, elementos cargados de memoria y emoción.
Sofía decidió resignificar su show y junto al Laboratorio de Experimentación en Comunicación y Artes Escénicas de la Cooperativa lavaca y a la colaboración de la actriz, directora, dramaturga, docente e integrante del colectivo Piel de lava, Elisa Carricajo, fue moldeando algo nuevo. Teoría de la sirena es una manera de contar fragmentos de su vida y compartir canciones inspiradas en su propia experiencia.
¿Por qué Sofía recurre a la alegoría de la sirena? Cuando vio por primera vez, a corta edad, la película La Sirenita , el impacto fue determinante. “Desde que la vi me sentí identificada con esa historia, con no pertenecer al mundo, sin saber mucho a los tres años, después entendí de grande la historia original de La Sirenita de Andersen. Las mujeres trans somos como sirenas que damos el paso a ser mujeres y en ese paso, muchas pierden a la familia, amigues, el lugar donde viven y metafóricamente también la voz, socialmente. Hoy quizás no tanto pero es lo que pasaba y es lo que pasa en la historia de La Sirenita“.
A partir de esta identificación Sofía creó una obra para las infancias: Magenta, una sirena más allá del mar, que fue estrenada en MU con un público formado por niñes de la Asociación Civil Infancias Libres. Desde chica Sofía se preparó en comedia musical. Como actriz trabajó en las series Pequeña Victoria y El Marginal, participó del musical Crianzas, basado en el libro de la artista Susy Shock; es dramaturga y coprotagonista en la obra teatral Estar System, realizada en el Laboratorio de Experimentación en Comunicación y Artes Escénicas; y una de las protagonistas de la película Unicornio en 2023, entre otros trabajos.
En la adolescencia escuchaba pop latino, inglés y soñaba con ser una Spice Girl. “Recuerdo la primera vez que vi a esas cinco mujeres superpoderosas cantando, saltando, comiéndose el mundo, vistiéndose como querían, sin importarles nada. Con su lema de girl power e igualdad hacían que yo, siendo una infancia y adolescencia trans, me olvidara de mi dolor, de mi desazón, de mis dudas de cómo sería mi vida. Encerrada en mi cuarto bailando sus canciones, me olvidaba de la realidad, y era feliz, podía ser quien quería”.
La actriz y bailarina colombiana Carolina Ramírez –protagonista de las series La Reina del flow y La hija del mariachi– recomienda efusivamente la obra: “Es una biografía absolutamente conmovedora, pertinente, importantísima. Siempre nos preguntamos si somos las personas en las que nos queríamos convertir cuando éramos niños y este es un viaje a la infancia de alguien que volvió a nacer, que se parió a sí misma. Hay que verla, vale la pena atravesar este viaje junto a Sofía”.
MU Trinchera Boutique, Riobamba 143, CABA
Viernes 7 de junio, 20.30 hs
Entradass por Alternativa Teatral
Terror de Arrabal
Tres historias se entrelazan en una obra de teatro que propone la escucha atenta a una protagonista que saca provecho de sus buenas artes como narradora oral.
- Una historia de amor: la mujer más bella de la Argentina de fines del siglo XIX, codiciada, aristocrática, la que buscó decidir por ella misma a quién amar hasta que la tragedia truncó sus más profundos deseos.
- Un viaje en subte puede desencadenar el espanto, y no sólo por el valor de la tarifa sino por la posibilidad de cruzar miradas con quienes ya no habitan este mundo.
- Recorrer un cementerio con mate, en busca de muertos célebres quizás no siempre sea una buena idea.
Las tres historias tienen algo en común: lo sobrenatural. Lo que nos eriza la piel, pero también nos resulta atrapante.
Barracas, Balvanera y Chacarita son los tres barrios porteños a los que aluden los relatos. En cada uno de ellos la protagonista ha vivido al menos dos años –lo que marcan los contratos de alquiler– y allí ha transitado momentos de alegría, desencanto, amor y, por supuesto, miedo. Con gracia y buena dosis de misterio, Daniela Carballo, la actriz del unipersonal Terror de Arrabal hila sus anécdotas personales con las leyendas de los barrios por los que va posando su anatomía luego de cada mudanza.
Daniela, por primera vez está sola en el escenario, con dramaturgia propia. Les llevó un año a ella y a la directora Lara Hernaiz, amasar la obra, primero hubo un período de investigación y selección de material con la intención de recuperar leyendas urbanas que pudieran adaptarse a un espectáculo de narración oral. Una vez seleccionadas las tres historias, le siguió la tarea de bordar anécdotas alrededor de los relatos y sus ubicaciones geográficas y armar “una obra teatral –indica Daniela– que fuera coherente, en este caso es el de una inquilina que se va mudando de barrio en barrio. Ese es el hilo conductor que junta estas tres historias”.
¿Qué tanto de autobiográfico hay en la obra? “Bastante. Sobre todo por la situación de inquilina, en la que está la protagonista y en la que vivo yo. Este rebobinar cada dos años teniendo que volver a empezar en una nueva casa, en un nuevo barrio, el reseteo constante de la vida del inquilino, está presente en la obra y hay un color de quien vive hace tiempo en Buenos Aires pero no es porteña. Entonces hay cierto nivel de extrañeza a la hora de la dinámica que le presenta Buenos Aires a personas como yo, la velocidad con la que se hacen las cosas, cierta noción medio opaca a la hora de definir en qué barrio estás, una identidad que está armada por personas que no son propias de la ciudad y que se ensamblan en esas lógicas”.
Terror de Arrabal ya se llevó a cabo en otros espacios de la capital porteña. En esta ocasión, se presentará en MU Trinchera Boutique los sábados 8 y 22 de junio.
Vale contar detalles del barrio. En la vereda de enfrente a MU, en Riobamba 144, se encuentra la conocida “Casa de la palmera” –actualmente funciona la redacción de La Izquierda Diario y el Instituto de Pensamiento Socialista Karl Marx– donde algunas personas aseguran que circula el fantasma de Elisa. Ella era hermana de cinco varones a los que acusaba, desde su afán religioso, de despilfarro e inmoralidad. Cada uno de ellos fue muriendo en trágicas circunstancias y hasta se sospechaba que ella había tenido que ver en algunos de esos desenlaces. A medida que sus hermanos iban muriendo, Elisa, quien trabajaba de taquígrafa en el Congreso de la Nación, cerraba con llave y clausuraba los respectivos cuartos. Durante algunos días no concurrió a misa, fueron a buscarla y la encontraron muerta en el sótano de la casa. Por otra parte, hay quienes aseguran que la Casa de la palmera inspiró a Julio Cortázar a escribir su famoso cuento Casa tomada. El espacio de MU Trinchera Boutique es también un lugar con historia: funcionó el Club de Magia del renombrado mago inglés David Tobias Bamberg, Fu Manchú, quien compartía en el sótano que actualmente es la sala teatral de cooperativa lavaca sus trucos de magia con colegas y así lo hizo hasta sus últimos días.
Asombro, misterio, asuntos inconclusos y fenómenos fuera de lo común son los ingredientes que conforman la obra, extraídos de una constelación de leyendas que sobrevuelan esta ciudad y dejan huella en la memoria de sus habitantes. Asegura Daniela: “En esta obra nos propusimos reeditar miedos más actuales a partir de las leyendas, pero también nos esmeramos en que tenga cuotas de humor porque después de todo queremos que la experiencia sea disfrutable y porque también creemos que hay que reírse un poco de aquello que nos aterra”.
MU Trinchera Boutique – Riobamba 143, CABA
Sábados 8 y 22 de junio, 20.30 hs
Entradas por Alternativa Teatral
Estoy acá sin fin
“Es un homenaje a mi hija Amanda, el gesto de dejarle en papel y obra mi amor como madre para el resto de su vida”, dedica la actriz y directora Leticia Coronel. Al inicio de la obra – en Estudio Los Vidrios que dirige artísticamente el intérprete, director y dramaturgo Lisandro Rodriguez– Leticia se para frente al público y cuenta que escribió esta obra para su hija Amanda, que está por cumplir 13 años y a quien dio a luz cuando tenía 22 años. También cuenta que ensayó la obra con Amanda pero que al tiempo desistió y le dijo que no le gusta el teatro. “Mamá, la vida de ustedes es muy estresante. Siempre les falta algo, siempre”. Entonces Leticia buscó a cinco amigas actrices y bailarinas y comenzaron a ensayar esta obra que conmueve desde la primera frase.
Dos bailarinas y tres actrices –azarena Amarilla, Maira Annoni, Blanca Anzoategui, Damiana Gamarra y Jennifer Hernández– de las cuales solo una es madre, son las creadoras escénicas junto a Leticia de todo lo que sucede en una hora de obra teatral: “En el primer ensayo que tuvimos juntas, Lisandro Rodriguez, colaborador artístico, nos dijo: esta obra les pide a ustedes que se vinculen desde el afecto. Fue clarísimo, cada una empezó un proceso personal de mucho vínculo afectivo y eso hizo que la obra pudiera deslizarse en zonas honestas, personales y viscerales”. Por supuesto que la dramaturgia sacude la emoción de cada espectador/a porque la temática de la maternidad nos atraviesa de alguna manera, pero más allá de esa condición, la performance de cada actriz excede las fronteras de la interpretación bien ejecutada. Hay algo más. “Cada una fue trayendo sus historias, sus recuerdos, sus anécdotas, sus vivencias. Me interesaba que cada una pudiera nombrar cosas desde un lugar real, que nombraran ese amor por más terrible que sea. Cada una hizo el mapa de lo que tenía”.
La obra emerge de un vínculo concreto: el de Leticia y Amanda, madre-hija, y a medida que transcurre, lo trasciende y ese límite queda sin efecto, nos involucra a todxs. “No quería que la obra quedara en mi historia, no me interesa cuando el material tiene un perímetro pequeño de trabajo”. Leticia entra y sale de la obra, para narrar, interrogar, hacer algún pedido concreto a las actrices y eso le da un valioso dinamismo y una cercanía con quienes espectamos. Nazarena, Blanca, Damiana, Maira y Jennifer aportan un estilo, un concepto, una rueda que no para de girar y enciende chispas de sensibilidad a su paso. “Cada una tuvo desde el primer momento una entrega absoluta, con la misma pasión, el mismo amor. En lo personal fue satisfactorio y reparador. El desafio fue actoral porque no sabíamos como actuarla, fue algo tan real que nos costaba, ¿cómo se actúa esto?”
La obra fue ganadora del segundo premio Germán Rozenmacher XV a la nueva dramaturgia y el texto fue publicado en 2023 por la Editorial Eudeba en edición trilingüe. Leticia asegura que fue un trabajo de afinación: “Una vez que nos empezamos a dar cuenta de que el material tenía que ver con el estar, con lo más cercano a la persona, ahí nuestros oídos dijeron: es por acá. El desafío fue la afinación y que el trabajo estuviese lo más cercano posible a la persona y no a la actriz”. Estoy acá sin fin se propone ante todo ser sincera, dibujar la maternidad con trazos incompletos, irregulares, pero auténticos, dar lugar a las luces y también a las oscuridades. Dice la obra y seguramente coincidiremos en la metáfora y en la literalidad: “Ser madre es un estallido. Ser hija también”.
Estudio Los Vidrios – Donado 2348, CABA
Domingos a las 19 hs
Reservas: estoyacasinfinobra@gmail.com
Artes
Entre la Pacha y las estrellas
Una canción inspirada en el desarraigo propone cantar y bailar en comunidad para espantar las penas. Otra canción como un haiku se convierte en ofrenda para celebrar el presente. Laura Zapata y Julia Molinari son dos artistas de la escena independiente que le ponen voz a las nuevas formas de expresar una época y conjugan su música con otrxs artistas para potenciar la magia de canto. Comunicarlo es el single que Laura dará a conocer el viernes 7 de agosto en plataformas digitales y el Acústico de Julia será el sábado 8 con canciones de su álbum debut y adelantos del próximo disco.
por María del Carmen Varela
Laura Zapata: Espantar el mal
El viernes 7 de agosto estará disponible en plataformas digitales Comunicarlo, el primer single de Pacha Urbana, el álbum de estudio de Big Mama Laboratorio –la propuesta musical de Laura Zapata con 15 años de trayectoria– y la participación de Kndelah, Uxia Hochstein, Jinetes del mal flash, con producción de Hernán Bruckner (Árbol). El disco invita a escuchar un universo donde el rap, el folclore y la música urbana se expresan desde el territorio: el barrio, el espacio de lucha y resistencia.
Este nuevo disco emerge como un Manifiesto. El Festival Pacha Urbana arrancó en MU Trinchera Boutique, el espacio cultural de Cooperativa lavaca, en septiembre de 2024 como una iniciativa para unir a diferentes artistas de la escena independiente, para honrar a la Madre Tierra y celebrar un ritual de despedida para el árbol que estaba en la vereda de MU y fue cortado por una motosierra del gobierno de la Ciudad. “Luego invitamos a otrxs artistas como Kndelah, Uxia Hochstein, Hernán Bruckner y Hernán Huguet y se empezó a armar un movimiento. Espero que seamos cada vez más”.
En mayo de este año, Laura presentó una obra teatral en el Centro Cultural Rojas, a la que llamó Sacha Warmi –mujer salvaje en idioma quechua– y “para esto tuve que remontar a mi infancia. Reconstruí el ranchito en el que vivía cuando tenía 3 ó 4 años y me acordé que había una mesa en el medio. La chapa del techo tenía varios agujeritos y cuando llovía se nos mojaba el rancho, pero cuando salía el sol caía una luz cenital y yo me ubicaba debajo y bailaba”. Compuso la música de “acha Warmi y cada escena de la obra tiene una canción que forma parte del álbum “Pacha Urbana”. Si bien Laura suele componer desde los ritmos urbanos, en esta oportunidad el folclore apareció en escena. “Yo vengo del palo urbano, porque soy del conurbano y el hip hop me abdujo. Mi familia es de Santiago del Estero, el folclore está en mi sangre y es inevitable que esto pase”.
Laura destaca que en el disco participan artistas de diferentes provincias. El single que se presentará oficialmente el próximo 7 de agosto habla del desarraigo: “Muchas personas de otras provincias buscan una oportunidad en las ciudades y eso genera una tristeza. El folclore habla mucho de eso. Mi papá era tucumano, mi mamá santiagueña. Comunicarlo dice: Voy a cantar, voy a bailar con vos…así se espanta el mal. Así invita a salir adelante en comunidad”.
Disponible el 7 de agosto a las 00:00 hs
Link: https://orcd.co/comunicarlo
@bigmamalaboratorio https://www.instagram.com/bigmamalaboratorio/
@laurazapataok https://www.instagram.com/laurazapataok/
@festivalpachaurbana https://www.instagram.com/festivalpachaurbana/
Julia Molinari: El viaje a las estrellas
«En estos momentos cada canción es para mí como un haiku, una manifestación de la fugacidad y a la vez de la eternidad del instante presente junto a otrxs»”. La cantante Julia Molinari se prepara para presentar su disco Flores en invierno y algunas canciones de su nuevo álbum Un tren a las estrellas. El encuentro musical y poético será el sábado 8 de agosto a las 20 hs en Lavalle Casabierta, Lavalle 3644, timbre 3, CABA.
Con un manojo de canciones propias, el disco fue producido y dirigido por Claudio Lafalce y cuenta con textos interpretados por la actriz Eleonora Wexler y las escritoras Paula Jimenez España, Alejandra Kamiya y Vanesa Guerra, quienes aportan sus voces para sumar calidad artística al entramado musical de Julia. También habrá proyección de imágenes del “Archivo Caminante” del artista visual Eduardo Molinari, hermano de la cantante, que dialoga con las temáticas de sus canciones. Este archivo visual en progreso fue fundado en 2001 por Eduardo y combina arte, historia y política.
Su disco debut Flores en invierno fue presentado en 2019 en MU Trinchera Boutique y luego llegó la pandemia. Julia asegura: “Ahora quiero volver a mostrarlo”. Durante estos años sus composiciones se fueron moldeando con el devenir propio y el circundante. Si bien canta desde pequeña, inció su carrera musical a los 50 años.
Con respecto a su nuevo disco, Un tren a las estrellas, del cual ofrecerá un adelanto el próximo 8 de agosto, Julia cuenta: “Cita una poesía de Zito Lema y el tren a las estrellas es el mundo por el que nosotrxs luchamos, ese mundo mejor, utópico por eso aparecen Norita, Vicente, el Indio, tanta gente admirable que deja huella y personas de mi propia vida”. Militante LGBTQ+ y artista autogestiva, propone un show musical, poético y visual que resalta la sensibilidad de su arte.
Sábado 8 de agosto, 20 hs
Lavalle Casabierta, Lavalle 3644, timbre 3
Entradas por Alternativa Teatral
Artes
El misterio de hacer cine
En tiempos de desfinanciación del INCAA y nulo apoyo al cine independiente, se estrena este jueves en el Gaumont de Buenos Aires Sí, cambio, una película hecha por gente joven (sub-30) a mucho pulmón y mucho corazón: seis días de rodaje y el impulso de no resignarse a no hacer nada. Es la historia de una detective a la que se le enreda todo, mezclando policial con comedia. Dirigido por Juan Morgenfeld, este trabajo (como tantos otros que logran sobreponerse a la motosierra) implica la posibilidad de ver algo de lo nuevo del cine argentino y apoyar así a que siga existiendo una actividad que resiste a que le pongan el clásico «the end».
Por María del Carmen Varela
¿Qué pasa cuando parece que no pasa nada? Carla maneja su auto y en ese viaje en cuatro ruedas sobre el cemento liso y gris como la rutina, pasa de todo. Un trabajo que aparenta ser mecánico es el puntapié para el misterio, la ciudad con el tedio a cuestas y cada tanto, la sorpresa al acecho. Una detective privada y la materia prima que guía sus pasos y condimenta las horas: la curiosidad. Sí, cambio propone sumergirse en una historia hecha de momentos y acompañar a Carla en la gran aventura que ni siquiera sospecha. Con un título ambiguo que se relaciona con la trama laboral de la protagonista y con las infinitas posibilidades de transmutación personal, la película fusiona géneros cinematográficos y busca su lugar en la escena local independiente.
El film –ópera prima de Juan Morgenfeld– será estrenado el próximo jueves 23 de julio en el cine Gaumont. Ya participó de la Competencia Oficial Vanguardia y Género del Bafici y obtuvo dos menciones por dirección y actuación. Morgenfeld, de 30 años, estudió Artes Visuales en la Universidad de las Artes, es guionista, productor y flamante director de la película y fanático del cine policial y de las comedias. “Hice una mezcla de ambos géneros, aunque la película es una comedia protagonizada por una detective. Me pareció un oficio muy atractivo”.
Todo surgió de una imagen disparadora que se instaló en su cabeza: “Una detective privada haciendo tiempo en su auto como si fuera un tiempo muerto en su jornada laboral frente al edificio de un presunto sospechoso al cual tiene que investigar”. Apodada por su jefe como “Santonja” para proteger su identidad, Carla –protagonizada por Tamara Leschner, actriz, música, ingeniera en alimentos y directora de Te amo, Antoño– tiene la misión de seguir a sol y a sombra a un desconocido y en su tiempo libre visita a amigas como Laura, amante de la tecnología y dependiente de Alexa, asistente de IA que no siempre cumple con sus expectativas. Durante el trajín laboral se topa con Alicia, una joven que se gana su confianza a fuerza de insistir y por su carácter perseverante obtiene información valiosa para la detective.
Una madre adicta a los temas esotéricos, una amiga que se siente protegida por los fuertes brazos de su novio boxeador y una primera cita en un bar entre dos personas que hablan pero no se escuchan, son algunas de las escenas que explican la categoría “comedia”.
Con apenas dos carillas del guion escritas, Juan llamó a Tamara Leschner y a María Villar para proponerles actuar en el largometraje. Les contó la idea y ambas aceptaron. Ya había trabajado con ellas mientras era productor de Buenas noches, de Matías Ulansky y luego Tamara actuó en Polvo de ladrillo, corto escrito y dirigido por Juan. “La elección del elenco se fue dando de manera muy natural y orgánica porque con la mayoría ya habíamos trabajado. El elenco está formado por una mezcla de actores y no actores y a todos los conocía”. El jefe es interpretado por el actor Horacio Marassi (Historias extraordinarias, Hombre mirando al sudeste, Plata quemada, entre otras) y el encargado del bar es Fabián Arenillas (El hijo de la novia, El nido vacío, El misterio de la felicidad). La dirección de fotografía es de Gonzalo Zilberman, la edición de Lucio Giménez, el diseño de are de Camila Galliani y el sonido y la música están a cargo de Federico Zampieri.
En 6 días
El rodaje de Sí, cambio duró seis jornadas, “algo atípico para lo que son los tiempos del cine y más para ser un largometraje”, reconoce Juan. No tuvieron financiación ni subsidios, es una película independiente que logró concretarse con poco dinero, por eso los tiempos de filmación tenían que reducirse al mínimo posible. “Contamos con un equipo tanto delante como detrás de cámara que se comprometió al máximo en esa semana. Personas a las que les gusta mucho el cine igual que a mí, se sumaron a esta aventura y permitieron que el proyecto se pueda hacer. Sin ellos hubiera sido imposible, las condiciones no eran las mejores, pero tratamos de que dentro de lo poco que teníamos sea lo más confortable posible. Hubo muy buena organización, muy buena logística”. Entre elenco y equipo técnico trabajaron 26 personas, lo que muestra el potencial del oficio cinematográfico si pudiera multiplicarse.
¿Cómo hacer cine con este panorama? Juan: “El contexto no ayuda para nada. No queda otra que seguir. Hacer cine es lo que más nos gusta y es una pulsión muy fuerte. Se vuelven muy importantes las formas. Yo escribí el guion pensando en la producción y la filmación, sabiendo que la iba a financiar con muy poca plata. No es que escribís sobre un ideal y después tenés que pasar mucho tiempo consiguiendo recursos para cumplir con los caprichos del guion. En este caso, es a la inversa de las películas tradicionales o los tanques industriales con gran presupuesto. Acá se escribe con los ingredientes que tenemos a mano. Hacer cine independiente en estos tiempos va por ahí, es la única manera para seguir produciendo en un contexto tan desfavorable para tanta gente y también para los que intentamos hacer películas”.
Sobre la participación en la edición 27 del Bafici en el mes de abril: “Yo casi ni tenía pensado mandarla y terminó quedando. Yo solo quería hacer la película, todo lo que vino después es un regalo”. Después de las proyecciones en el marco del Festival en Cinépolis Houssey y en la sala Cacodelphia, la próxima escala será en el cine Gaumont. “Me interesa mucho la llegada al público, al espectador que está fuera del nicho del cine. La película toca temas actuales sobre la época que nos toca vivir entonces uno tiene el deseo y la ilusión de que el espectador empatice con la protagonista y se identifique con algunas cuestiones. Estamos muy contentos con lo que pasó en el Festival y con este estreno del 23 de julio”.
Cine Gaumont, Av. Rivadavia 1635, CABA
Estreno: jueves 23 de julio, 21.30 hs
Cine
¿Quién le debe a quién? Un film que sigue el rastro del oro, del Virreinato a Caputo
La historia del despojo planificado de las riquezas sudamericanas por parte de la ambición europea llega a la pantalla grande: se estrena el documental Patria o Colonia, dirigido por Juan Pablo Lepore y protagonizado por Rafael Klejzer. Un film que recorre en una hora y veinte minutos los últimos 200 años de saqueo sistemático que van desde el robo del oro del Virreinato del Río de la Plata hasta el envío de las reservas de lingotes del Banco Central. Todo fue a parar a Londres y la investigación pone el foco en el interrogante: ¿Y si en lugar de ser deudores en realidad somos acreedores? Se presentará los jueves 7, 14 y 21 de mayo a las 19 hs en MU Trinchera Boutique.
“En 1806 una expedición británica no autorizada saqueó el tesoro del Virreinato. Ese oro viajó a Londres, se desfiló como trofeo, se depositó en el Banco de Inglaterra y allí empezó una mentira de dos siglos. Nos hicieron creer que la deuda era nuestra, pero… ¿Y si la deuda la tienen ellos con nosotros?”. Así arranca el tráiler del documental Patria o Colonia. Siguiendo el rastro del oro, resultado de una investigación que empieza en el siglo XIX, llega al presente y propone repensar la legitimidad histórica de una deuda que parece ser una fake.
El documental realiza un recorrido de los últimos 200 años y pone el acento en el patrón de saqueo económico que marcó la relación entre Argentina y el poder económico británico. El hecho que da el puntapié inicial es el robo del tesoro del Virreinato del Río de la Plata en 1806 por parte de una expedición británica que lo depositó en Londres. Este saqueo fundacional y documentado es el primero de un largo mecanismo de despojo, como la usurpación de las Islas Malvinas, el Pacto Roca Runciman, la batalla de Vuelta de Obligado y lo sucedido hace casi dos años en el marco del actual gobierno: el envío de trece toneladas de lingotes de oro del Banco Central como «garantía» para un préstamo bancario y para generar intereses, según explicó el ministro de economía Luis Caputo para argumentar esta insólita medida.
“Es una investigación urgente, una película que desafía la narrativa de la deuda y propone un giro sobre la relación entre Argentina y el poder financiero británico reclamando una justicia histórica pendiente”, dice Juan Pablo Lepore, guionista y director de Patria o colonia.
Lepore fue también guionista y director de Sin patrón, una revolución permanente, La jugada del Peón, el agronegocio letal, Olvídalos y volverán por más, megaminería y neoliberalismo y Empresa Nacional de Alimentos, entre otras.
Quien estuvo a cargo de la tarea de investigación y vemos en la película seguir los rastros de este largo proceso es Rafael Klejzer, referente del Movimiento Popular La Dignidad: “No somos cualquier pueblo: echamos a los Ingleses en 1806 y 1807, luchamos por la liberación, con San Martín y Bolívar a la cabeza, de los territorios de América Latina y vencimos. Somos el pueblo del Cordobazo, el que enfrentó a la dictadura cívico-militar, el que combatió en Malvinas, el que se organizó en el 2001, el que rechazó el ALCA e imaginó una Patria Grande. Entonces ¿qué nos pasa ahora?”.
Klezker y Leopore aclaran que el documental no es una lección de historia sino que busca poder investigar e intervenir en el presente, bajo la siguiente idea: «Propone una tesis que cuestiona la ortodoxia económica instalada. Argentina no sería deudora sino acreedora de una deuda histórica y humana”.
Una oportunidad para revisar la historia y poner patas para arriba las certezas instaladas a largo plazo.
¿Quién le debe a quién?
Entradas por Alternativa Teatral, haciendo clic acá.
- MU TRINCHERA BOUTIQUE
Riobamba 143 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: https://lavaca.org/trinchera/
Entrada: $ 4.000,00 – Jueves – 19:00 hs – Del 07/05/2026 al 28/05/2026
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