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Lo que hay para ver: la solidez de los cuerpos, la potencia de la emoción

Publicada

hace 4 años

23/10/2021

El cuerpo es materia, tejido óseo y muscular, tiene peso y volumen. La fantasía virtual irrumpe y promete levedad y velocidad. La oferta es irresistible. Cuidado, es una trampa. La danza y su virtud nos sacan del espejismo: es volátil un cuerpo cuando se pone en movimiento y con alas invisibles, traspasa el aire y el tiempo. Una de las obras que te recomendamos esta semana expresa, con mirada crítica, la urgencia del encuentro real, palpable, que nutra de la piel hacia adentro. Otra de las obras es un canto a la vida, aunque hable de la muerte. ¿Cómo elaborar una pérdida cuando todo estaba por vivirse? Desarrollar un biodrama es la posibilidad de transmutar la pena, dicen que el dolor fortalece, pero también lo hace la alegría. Por último, nuevamente la danza nos traslada a una atmósfera de intemperie que desata la introspección, un viaje sin escalas a nuestro propio mundo. La naturaleza, en su inmensidad, nos invita a observar nuestro abismo interior.

Por María del Carmen Varela

Fake – Todo lo sólido se desvanece en la nube

Lo que hay para ver: la solidez de los cuerpos, la potencia de la emoción — Foto: Fede Akabani

Apenas entramos a la antesala de Galpón FACE, hay una pequeña habitación, allí un cuerpo se mueve frente a una cámara. Continuamos avanzando y vemos proyectada la imagen de ese mismo cuerpo sobre una gran pared blanca. Observamos sus movimientos, la mirada, los meneos. El cuerpo real permanece a unos metros, pero nosotres miramos al que se ve reflejado, como si prefiriésemos ese espejismo plano, carente de sustancia. Cesa la proyección y otro cuerpo está sentado sobre una camilla metálica. Luego de observar su insólito quehacer, somos invitades a ingresar a la sala.

La danza nos recibe. Imágenes proyectadas detrás de lxs intérpretes, como en un streaming que compite con lo tangible. Un mundo virtual se multiplica y aceptamos lo intocable, lo inasible, lo insensible. ¿Hay espacio para la materia, para los sentidos y sus placeres? La carne y los huesos ¿son piezas andantes de un museo? Si todo necesitamos mostrarlo para que tenga sentido, ¿cuál es el sentido de lo que no está en las redes? ¿Cuál es la lógica de la vida regida por el algoritmo?

La labor de concebir, desarrollar y ejecutar el proceso de creación les llevó a reflexionar con respecto a la influencia de lo virtual en la vida cotidiana. La bailarina, coreógrafa y docente Inés Armas asegura: “En cuanto a nuestro cuerpo y a su movimiento, venimos viendo que el uso excesivo de dispositivos tecnológicos va afectando a nuestro movimiento, la postura saludable de balance entre cráneo, cuello y columna vertebral se ve alterada desde muy tempranas edades, lo mismo sucede con la visión, el ojo se vuelve funcional al dispositivo, visión focal y a corta distancia. Que la mayoría de les niñes de dos años estén mirando el celular, tiene claramente consecuencias a nivel del desarrollo cognitivo y de su desarrollo físico. Todo esto interfiere en nosotros y en el futuro de la humanidad, vimos proyecciones de cómo serán los cuerpos de acá a 200 años, y nos asustamos bastante”.

Fake – Todo lo sólido se desvanece en la nube comenzó a gestarse en una residencia de investigación en danza y performance Inés realizó en 2019 en Casa Sofía, Proximidades Expositivas, curada por Federice Moreno Vieyra. Con la bailarina, coreógrafa y docente Laura Peña Nuñez y el equipo del Colectivo Dominio Público iniciaron una investigación denominada AlgoRitmo. “Buscamos un cuerpo-algoritmo. Una calidad ambigua entre el ser físico y el ser digital. Trabajamos con estereotipos de belleza y de éxito impuestos por el mercado e intentamos deconstruírlos, hibridarlos, deformarlos, danzarlos”, describe

Inés, co-directora de Galpón FACE junto al actor, director y dramaturgo Fagner Paván. Les bailarines en escena son Laura Pérez Nuñez, Mauro Cacciatore y Tam Molina.

Agrega Fagner: “Empezamos a relacionar cuerpo-imagen-redes sociales-algoritmos y los límites en una realidad virtual. Las posibles contaminaciones entre la artificialidad y la materia orgánica. Miramos muchos cuerpos en las redes sociales y su relación publicitaria. El uso de filtros, fragmentaciones, cirugías, cuerpos mercancías en una era de la autoexplotación. Jugamos con este cuerpo transversalizado por una relación mecánica y seductora a la vez, estereotipado, gobernado por algoritmos”.

Virtualidad y aislamiento son condenas para los cuerpos. ¿Qué les ofrece el movimiento? “La danza o las artes escénicas vivas son la presencia del cuerpo. Un cuerpo como un espacio de resistencia, de ritualidad, de contacto con una fibra más íntima, frágil. Es un acto político de anclaje ancestral. Antes de todo está el cuerpo. Lo siente y registra todo”, asegura Fagner. Ambxs forman parte de Colectivo Dominio Público, un grupo interdisciplinario que investiga las tensiones entre tecnología, internet y sociedad desde el arte, el periodismo tecnológico y el artivismo.

Cuándo la virtualidad se filtre por todos los resquicios, ¿nos salvará la danza? Inés define: “ La danza es un encuentro con nosotros mismos y con les otres, es un canal de comunicación que se da solamente en la presencia, en el cuerpo a cuerpo, en la vibración próxima de las corporalidades en movimiento”.

Galpón FACE
Dean Funes 2142, CABA
Sábados 21 hs
Hasta el 4/12
@galponface @inesarmas @fagnerpavan

Una obra para mí

La convocatoria a participar de un festival y escribir autoficción es el resorte que da origen a esta obra y dispara una crónica amorosa plagada de momentos divertidos y también nostálgicos. Cada quien transita el duelo como puede. Y quien escribe Una obra para mí lo desarrolla con técnicas teatrales, con narrativa, con la memoria hecha carne. Para abrazarlo, llorarlo y despedirlo en una secuencia tan desoladora como vital. El humor, el canto y el baile forman parte de este relato de autor que busca revivir los mejores momentos —y otros no tanto— junto a su pareja, con una especie de resistencia que intenta convertirse en aceptación a medida que avanza la trama.

Esta catarsis teatral que oscila entre la carcajada y la emoción, propone un hecho extraordinario: la realidad y la ficción se dan la mano, se entrelazan y conciben un bálsamo reparador, un nuevo punto de partida. La felicidad era verlo preparar huevos revueltos para el desayuno de los dos, nos hace saber. Al fin y al cabo, los mejores momentos son los más simples, los cotidianos, cada vez que apelamos al recuerdo de los seres con quienes fuimos felices.

Con dramaturgia de Sebastián Suñé, Una obra para mí en la realidad surge luego de ver Dolor y gloria, la película autobiográfica del director español Pedro Almodovar (y no por la convocatoria a un festival, como se cuenta en la obra). “Había algo en la manera de contar, en la sinceridad, en lo autobiográfico mezclado con la ficción que me conmovió de tal manera que cuando volví a casa me senté a escribir sin ningún orden preestablecido. No suelo hacerlo así muy a menudo, soy bastante ordenado en lo que quiero contar. O al menos a la hora de sentarme a escribir tengo bien en claro qué quiero contar. Me senté esa noche y apreté las teclas sin parar durante un buen rato. Y el día siguiente fue igual y el otro y el otro. Hacía mucho no me pasaba eso, que no sentía ese frenesí. Lo disfruté muchísimo, como hecho catártico y artístico”.

¿Cómo se conjuga la propia vivencia con el despliegue ficcional en el escenario? ¿Cuáles son los límites entre ambos y como se entretejen para contar una historia? “Es difícil la conjunción de la propia vida y la ficción. Es dolorosa. O al menos para mí lo fue. En los ensayos me costaba separar lo que se estaba narrando de lo que había acontecido en mi vida varios años atrás. Lo emocional invadía zonas del relato en las que no convenía. Casi a diario me preguntaba por qué necesitaba narrar eso. Según una conocida, este acto simbólico de narrar lo vivido era el cierre perfecto del duelo. Un duelo que ya lleva casi veinte años. Siento que la historia va más allá de la propia experiencia, de lo individual, y logra volverse universal. Es un cuentito, sí, pero uno que a todxs nos puede interpelar desde diferentes lugares: en un momento de nuestras vidas todas las personas necesitamos cerrar o corrernos de algunos lugares que nos hacen mal. Una obra para mí es (en cierto modo) una invitación a hacerlo”.

Francisco Bertín interpreta a quien ya no está. Es despreocupado, divertido, adorable y por momentos se provocan fricciones con su pareja, tan enfrascado en su trabajo, en sus cavilaciones, “sos muy enroscado” le objeta. Desprenderse de esa solemnidad quizás sea el desafío, abrazar la propensión a la alegría del ser que tanto amó para hacerla propia y así, despedir el pasado y su persistente añoranza. Una vez más, resuena la palabra: catarsis. “Siguiendo al pie de la letra la definición que Google arroja como primera opción, debo decir que es tal cual: ´Entre los antiguos griegos, purificación de las pasiones del ánimo mediante las emociones que provoca la contemplación de una situación trágica´. Creo, y esto lo digo a título totalmente personal, que quizás ahora pueda volver a enamorarme sin temor a la pérdida, de la muerte, del fin. Quizás ahora pueda entender que esos dolores no nos definen ni trazan un futuro inexorable, sino que, una vez entendidos y transitados, la vida puede seguir deparándonos muchas otras posibilidades, incluso la de volver a amar. Sonó re cursi, pero ojo que lo cursi suele ser bastante potente”.

Espacio Callejón
Humahuaca 3759, CABA
Viernes 22 hs
@espacio_callejon
@sentimeuntema
@francisco.bertin

Animal de montaña

He venido por enésima vez a fingir mi resurrección. En este mundo pétreo nadie se alegrará con mi despertar. Estaré yo solo

y me tocaré y si mi cuerpo sigue siendo la parte blanda de la montaña sabré que aún no soy la montaña.

Estos versos del poeta peruano José Watanabe junto con la novela Nieve, del escritor francés Maxence Fermine fueron “dos disparadores muy pregnantes —afirma Federico Pérez Gelardi, el director de lal obra de danza Animal de montaña— a la hora de ensayar y transmitirle a les intérpretes mi imaginario. La obra parte de un imaginario muy concreto que es la montaña y los cuerpos inmersos en un ambiente natural, alejado de un estar citadino. La montaña cómo un reflejo del proceso creativo invita a dialogar con uno mismo, a enfrentarte con esa inmensidad que habita dentro de uno y de la escena”.

Dos cuerpos inician un lento movimiento por un ambiente que parece hostil. La música, el humo, sus cabezas bajas, indican que no les es fácil avanzar, pero late el deseo de llegar. “Es interesante como se piensa un cuerpo y como luego se pasa a la acción. Está dialéctica fue creciendo y desentramando con pautas muy concretas de movimientos. Cómo se poetiza una imagen concreta de un cuerpo que atraviesa neblinas o se pierde en la montaña”. Cuenta Federico que para esta obra se nutrieron de las dinámicas del contacto improvisado, el trabajo en relación al tiempo y al espacio e hicieron hincapié en la palabra llevada al cuerpo en acción”. La música es un elemento clave: “la imaginé como un personaje más”, dice Federico. En su mayoría, está ejecutada por un theremin, increible instrumento cuyo sonido se emite gracias a una conjunción de factores similares a los de una radio analógica y con la rara particularidad de que no necesita ser tocado. Fue creado por casualidad por un físico ruso aficionado a la música alrededor de 1920, Lev Termén, y tiene dos antenas, una para controlar el volumen y otra el tono (de más grave a más agudo). Las manos se van moviendo cercanas a las antenas, como palomas ejecutoras de sonidos. Matías Merelli es el músico, quien antes de arrancar la obra ofrece un mini concierto con distintos instrumentos, como la kalimba y el theremin.

Les bailarines son Lola Caniggia y Jonas Elfenbaum, quienes resaltan en la neblina vestides de naranja. Lola cuenta que con lo propuesto por Federico, trabajó en incorporar imágenes y sensaciones y las llevó al lenguaje del movimiento. “Se comenzó con un trabajo de improvisación pero dentro de una trazado topográfico que ya Federico tenía bastante definido a priori y se fue afinando con el tiempo. Sin embargo la puerta para el aporte nuestro siempre estuvo abierta. Fue un constante ida y vuelta entre ideas y sensaciones pruebas y errores que llevaron al trabajo que finalmente se ve en escena”.

En marzo del 2020 comenzaban los ensayos, por supuesto hubo que postergarlos, aunque siguieron en contacto virtual para compartir textos e imágenes. “Fue un proceso emocional muy marcado por la pandemia, esos encuentros tenían un valor agregado al de estar ensayando un material, era un poco un grupo de supervivencia, también”, dice Jonas, quien a los 17 años vino a vivir a Buenos Aires desde la localidad de Chos Malal, en el norte de Neuquén. Sus vivencias en la niñez y adolescencia estaban entonces muy ligadas al imaginario de la obra. “Es un material que me representa mucho. Fue trabajar sobre imágenes muy propias. Perderse en la montaña, caminar sobre la nieve, la inmensidad y el miedo, lo abismal, la soledad y el silencio de la montaña”.

Planta
Inclán 2661, CABA
Próximamente nueva función
@planta.inclan @federicoperezgelardi @lolitacani @jonaselfen @matiasmerelli

Temas:arte autogestión cultura danza planta portada Secciones teatro teatro independiente

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Artes

Un festival para celebrar el freno al vaciamiento del teatro

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hace 3 días

22/08/2025

La revista Llegás lanza la 8ª edición de su tradicional encuentro artístico, que incluye 35 obras a mitad de precio y algunas gratuitas. Del 31 de agosto al 12 de septiembre habrá espectáculos de teatro, danza, circo, música y magia en 15 salas de la Ciudad de Buenos Aires. El festival llega con una victoria bajo el brazo: este jueves el Senado rechazó el decreto 345/25 que pretendía desguazar el Instituto Nacional del Teatro.

Por María del Carmen Varela.

«La lucha continúa», vitorearon este jueves desde la escena teatral, una vez derogado el decreto 345/25 impulsado por el gobierno nacional para vaciar el Instituto Nacional del Teatro (INT).

En ese plan colectivo de continuar la resistencia, la revista Llegás, que ya lleva más de dos décadas visibilizando e impulsando la escena local, organiza la 8ª edición de su Festival de teatro, que en esta ocasión tendrá 35 obras a mitad de precio y algunas gratuitas, en 15 salas de la Ciudad de Buenos Aires. Del 31 de agosto al 12 de septiembre, más de 250 artistas escénicos se encontrarán con el público para compartir espectáculos de teatro, danza, circo, música y magia.

El encuentro de apertura se llevará a cabo en Factoría Club Social el domingo 31 de agosto a las 18. Una hora antes arrancarán las primeras dos obras que inauguran el festival: Evitácora, con dramaturgia de Ana Alvarado, la interpretación de Carolina Tejeda y Leonardo Volpedo y la dirección de Caro Ruy y Javier Swedsky, así como Las Cautivas, en el Teatro Metropolitan, de Mariano Tenconi Blanco, con Lorena Vega y Laura Paredes. La fiesta de cierre será en el Circuito Cultural JJ el viernes 12 de septiembre a las 20. En esta oportunidad se convocó a elencos y salas de teatro independiente, oficial y comercial.

Esta comunión artística impulsada por Llegás se da en un contexto de preocupación por el avance del gobierno nacional contra todo el ámbito de la cultura. La derogación del decreto 345/25 es un bálsamo para la escena teatral, porque sin el funcionamiento natural del INT corren serio riesgo la permanencia de muchas salas de teatro independiente en todo el país. Luego de su tratamiento en Diputados, el Senado rechazó el decreto por amplia mayoría: 57 rechazos, 13 votos afirmativos y una abstención.

“Realizar un festival es continuar con el aporte a la producción de eventos culturales desde diversos puntos de vista, ya que todos los hacedores de Llegás pertenecemos a diferentes disciplinas artísticas. A lo largo de nuestros 21 años mantenemos la gratuidad de nuestro medio de comunicación, una señal de identidad del festival que mantiene el espíritu de nuestra revista y fomenta el intercambio con las compañías teatrales”, cuenta Ricardo Tamburrano, director de la revista y quien junto a la bailarina y coreógrafa Melina Seldes organizan Llegás.

Más información y compra de entradas: www.festival-llegas.com.ar

Un festival para celebrar el freno al vaciamiento del teatro

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Festival ENTRÁ: Resistencia cultural contra el Decreto 345 que quedó ¡afuera! y un acto performático a 44 años del atentado a El Picadero

Publicada

hace 3 semanas

07/08/2025

A 44 años del atentado en plena dictadura contra el Teatro El Picadero, ayer se juntaron en su puerta unas 200 personas para recordar ese triste episodio, pero también para recuperar el espíritu de la comunidad artística de entonces que no se dejó vencer por el desaliento. En defensa del Instituto Nacional del Teatro se organizó una lectura performática a cargo de reconocidas actrices de la escena independiente. El final fue a puro tambor con Talleres Batuka. Horas más tarde, la Cámara de Diputados dio media sanción a la derogación del Decreto 345 que desfinancia al Instituto Nacional del Teatro, entre otros organismos de la Cultura.

Por María del Carmen Varela

Fotos Lina Etchesuri para lavaca

Homenaje a la resistencia cultural de Teatro Abierto. En plena dictadura señaló una esperanza.

Esto puede leerse en la placa ubicada en la puerta del Picadero, en el mítico pasaje Discépolo, inaugurado en julio de 1980, un año antes del incendio intencional que lo dejara arrasado y solo quedara en pie parte de la fachada y una grada de cemento. “Esa madrugada del 6 de agosto prendieron fuego el teatro hasta los cimientos. Había empezado Teatro Abierto de esa manera, con fuego. No lo apagaron nunca más. El teatro que quemaron goza de buena salud, está acá”, dijo la actriz Antonia De Michelis, quien junto a la dramaturga Ana Schimelman ofició de presentadoras.

Festival ENTRÁ: Resistencia cultural contra el Decreto 345 que quedó ¡afuera! y un acto performático a 44 años del atentado a El Picadero

Foto: Lina M. Etchesuri para lavaca.

La primera lectura estuvo a cargo de Mersi Sevares, Gradiva Rondano y Pilar Pacheco. “Tres compañeras —contó Ana Schimelman— que son parte de ENTRÁ (Encuentro Nacional de Teatro en Resistencia Activa) un grupo que hace dos meses se empezó a juntar los domingos a la tarde, a la hora de la siesta, ante la angustia de cosas que están pasando, decidimos responder así, juntándonos, mirándonos a las caras, no mirando más pantallas”. Escuchamos en estas jóvenes voces “Decir sí” —una de las 21 obras que participó de Teatro Abierto —de la emblemática dramaturga Griselda Gambaro. Una vez terminada la primera lectura de la tarde, Ana invitó a lxs presentes a concurrir a la audiencia abierta que se realizará en el Congreso de la Nación el próximo viernes 8 a las 16. “Van a exponer un montón de artistas referentes de la cultura. Hay que estar ahí”.

Foto: Lina M. Etchesuri para lavaca.

Las actrices Andrea Nussembaum, María Inés Sancerni y el actor Mariano Sayavedra, parte del elenco de la obra “Civilización”, con dramaturgia de Mariano Saba y dirección de Lorena Vega, interpretaron una escena de la obra, que transcurre en 1792 mientras arde el teatro de la Ranchería.

Elisa Carricajo y Laura Paredes, dos de las cuatro integrantes del colectivo teatral Piel de Lava, fueron las siguientes. Ambas sumaron un fragmento de su obra “Parlamento”. Para finalizar Lorena Vega y Valeria Lois interpretaron “El acompañamiento”, de Carlos Gorostiza.

Foto: Lina M. Etchesuri para lavaca.

Con dramaturgia actual y de los años ´80, el encuentro reunió a varias generaciones que pusieron en práctica el ejercicio de la memoria, abrazaron al teatro y bailaron al ritmo de los tambores de Talleres Batuka. “Acá está Bety, la jubilada patotera. Si ella está defendiendo sus derechos en la calle, cómo no vamos a estar nosotrxs”, dijo la directora de Batuka señalando a Beatriz Blanco, la jubilada de 81 años que cayó de nuca al ser gaseada y empujada por un policía durante la marcha de jubiladxs en marzo de este año y a quien la ministra Bullrich acusó de “señora patotera”.

Todxs la aplaudieron y Bety se emocionó.

El pasaje Santos Discépolo fue puro festejo.

Por la lucha, por el teatro, por estar juntxs.

Continuará.

Foto: Lina M. Etchesuri para lavaca.

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La vida de dos mujeres en la Isla de la Paternal, entre la memoria y la lucha: una obra imperdible

Publicada

hace 3 semanas

06/08/2025

Una obra única que recorre el barrio de Paternal a través de postas de memoria, de lucha y en actual riesgo: del Albergue Warnes que soñó Eva Perón, quedó inconcluso y luego se utilizó como centro clandestino de detención; al Siluetazo de los 80´, los restoranes notables, los murales de Maradona y el orfanato Garrigós, del cual las protagonistas son parte. Vanesa Weinberg y Laura Nevole nos llevan de la mano por un mapa que nos hace ver el territorio cotidiano en perspectiva y con arte. Una obra que integra la programación de Paraíso Club.

María del Carmen Varela

Las vías del tren San Martín, la avenida Warnes y las bodegas, el Instituto Garrigós y el cementerio de La Chacarita delimitan una pequeña geografía urbana conocida como La Isla de la Paternal. En este lugar de casas bajas, fábricas activas, otras cerradas o devenidas en sitios culturales sucede un hecho teatral que integra a Casa Gómez —espacio dedicado al arte—con las calles del barrio en una pintoresca caminata: Atlas de un mundo imaginado, obra integrante de la programación de Paraíso Club, que ofrece un estreno cada mes.

Sus protagonistas son Ana y Emilia (Vanesa Weinberg y Laura Nevole) y sus versiones con menos edad son interpretadas por Camila Blander y Valentina Werenkraut. Las hermanas crecieron en este rincón de la ciudad; Ana permaneció allí y Emilia salió al mundo con entusiasmo por conocer otras islas más lejanas. Cuenta el programa de mano que ambas “siempre se sintieron atraídas por esos puntos desperdigados por los mapas, que no se sabe si son manchas o islas”.

La vida de dos mujeres en la Isla de la Paternal, entre la memoria y la lucha: una obra imperdible

La historia

A fines de los ´90, Emilia partió de esta isla sin agua alrededor para conocer otras islas: algunas paradisíacas y calurosas, otras frías y remotas. En su intercambio epistolar, iremos conociendo las aventuras de Emilia en tierras no tan firmes…

Ana responde con las anécdotas de su cotidiano y el relato involucra mucho más que la narrativa puramente barrial. Se entrecruzan la propia historia, la del barrio, la del país. En la esquina de Baunes y Paz Soldán se encuentra su “barco”, anclado en plena isla, la casa familiar donde se criaron, en la que cada hermana tomó su decisión. Una, la de quedarse, otra la de marcharse: “Quien vive en una isla desea irse y también tiene miedo de salir”.

A dos cuadras de la casa, vemos el predio donde estaba el Albergue Warnes, un edificio de diez pisos que nunca terminó de construirse, para el que Eva Perón había soñado un destino de hospítal de niñxs y cuya enorme estructura inconclusa fue hogar de cientos de familias durante décadas, hasta su demolición en marzo de 1991. Quien escribe, creció en La Isla de La Paternal y vio caer la mole de cemento durante la implosión para la que se utilizó media tonelada de explosivos. Una enorme nube de polvo hizo que el aire se volviera irrespirable por un tiempo considerable para las miles de personas que contemplábamos el monumental estallido.

Emilia recuerda que el Warnes había sido utilizado como lugar de detención y tortura y menciona el Siluetazo, la acción artística iniciada en septiembre de 1983, poco tiempo antes de que finalizara la dictadura y Raúl Alfonsín asumiera la presidencia, que consistía en pintar siluetas de tamaño natural para visibilizar los cuerpos ausentes. El Albergue Warnes formó parte de esa intervención artística exhibida en su fachada. La caminata se detiene en la placita que parece una mini-isla de tamaño irregular, sobre la avenida Warnes frente a las bodegas. La placita a la que mi madre me llevaba casi a diario durante mi infancia, sin sospechar del horror que sucedía a pocos metros.

El siguiente lugar donde recala el grupo de caminantes en una tarde de sábado soleado es el Instituto Crescencia Boado de Garrigós, en Paz Soldán al 5200, que alojaba a niñas huérfanas o con situaciones familiares problemáticas. Las hermanas Ana y Emilia recuerdan a una interna de la que se habían hecho amigas a través de las rejas. “El Garrigós”, como se lo llama en el barrio, fue mucho más que un asilo para niñas. Para muchas, fue su refugio, su hogar. En una nota periodística del portal ANRed —impresa y exhibida en Casa Gómez en el marco de esta obra— las hermanas Sosa, Mónica y Aída, cuentan el rol que el “Garri” tuvo en sus vidas. Vivían con su madre y hermanos en situación de calle hasta que alguien les pasó la información del Consejo de Minoridad y de allí fueron trasladas hasta La Paternal. Aída: “Pasar de la calle a un lugar limpio, abrigado, con comida todos los días era impensable. Por un lado, el dolor de haber sido separadas de nuestra madre, pero al mismo tiempo la felicidad de estar en un lugar donde nos sentimos protegidas desde el primer momento”. Mónica afirma: “Somos hijas del Estado” .

De ser un instituto de minoridad, el Garrigós pasó a ser un espacio de promoción de derechos para las infancias dependiente de la Secretaría Nacional de Niñez, Adolescencia y Familia de Argentina (SENAF), pero en marzo de este año comenzó su desmantelamiento. Hubo trabajadorxs despedidxs y se sospecha que, dado el resurgimiento inmobiliario del barrio, el predio podría ser vendido al mejor postor.

El grupo continúa la caminata por un espacio libre de edificios. Pasa por la Asociación Vecinal Círculo La Paternal, donde Ana toma clases de salsa.

En la esquina de Bielsa (ex Morlote) y Paz Soldán está la farmacia donde trabajaba Ana. Las persianas bajas y los estantes despojados dan cuenta de que ahí ya no se venden remedios ni se toma la presión. Ana cuenta que post 2001 el local dejó de abrir, ya que la crisis económica provocó que varios locales de la zona se vieran obligados a cerrar sus puertas.

La Paternal, en especial La Isla, se convirtió en refugio de artistas, con una movida cultural y gastronómica creciente. Dejó de ser una zona barrial gris, barata y mal iluminada y desde hace unos años cotiza en alza en el mercado de compra-venta de inmuebles. Hay más color en el barrio, las paredes lucen murales con el rostro de Diego, siempre vistiendo la camiseta roja del Club Argentinos Juniors . Hay locales que mutaron, una pequeña fábrica ahora es cervecería, la carnicería se transformó en el restaurante de pastas Tita la Vedette, y la que era la casa que alquilaba la familia de mi compañera de escuela primaria Nancy allá por los ´80, ahora es la renovada y coqueta Casa Gómez, desde donde parte la caminata y a donde volveremos después de escuchar los relatos de Ana y Emilia.

Allí veremos cuatro edificios dibujados en tinta celeste, enmarcados y colgados sobre la pared. El Garrigós, la farmacia, el albergue Warnes y el MN Santa Inés, una antigua panadería que cerró al morir su dueño y que una década más tarde fuera alquilada y reacondicionada por la cheff Jazmín Marturet. El ahora restaurante fue reciente ganador de una estrella Michelín y agota las reservas cada fin de semana.

Lxs caminantes volvemos al lugar del que partimos y las hermanas Ana y Emilia nos dicen adiós.

Y así, quienes durante una hora caminamos juntxs, nos dispersamos, abadonamos La Isla y partimos hacia otras tierras, otros puntos geográficos donde también, como Ana y Emilia, tengamos la posibilidad de reconstruir nuestros propios mapas de vida.